NEW YORK, February 19, 2015: A model walks the runway wearing a design by Hallie Sara at the Art Hearts Fashion Show Presented By AIDS Healthcare Foundation fashion show during Mercedes-Benz Fashion Week Fall 2015 at The Theatre at Lincoln Center.

Arun Nevader

Interview with the internationally renowned

and extraordinary US photographer .
 
 
 
 
 
 
 

Arun Nevader

based in Berkeley, California

Former photojournalist in Central America
(in the midst of civil war in El Salvador
and insurgent conflict in Guatemala)

Internationally renowned fashion photographer at Getty Images and WireImage
for Fashion Weeks, Victoria´s Secret fashion shows, runways, film festivals, press and entertainment

Instructor in Information Design at the University of California, Berkeley Extension

Çiğdem Gül

based in Wuppertal, Germany

Founder, publicist and author of the worldwide „Intercultural Network For The Highly Gifted“

Graduate Economist & Change Management Consultant in Wuppertal / Germany

Business Coach for change processes in the company

Journalist for the language combination Turkish, German and English

To read interview part 1/2, please click here.

April 30, 2021

INTERVIEW – 2/2

Çiğdem Gül: Coco Chanel said: `Fashion is not something that exists in dresses only. Fashion is in the sky, in the street. Fashion has to do with ideas, the way we live, what is happening´. What does fashion mean to you? What insights have you gained after more than 20 years of working as a fashion photographer in the fashion world?

Arun Nevader: This is a huge question that could take a book to answer. We have so many ways to approach what we mean by fashion; I’ll choose one that seems most universally true. Society is held together by a network of signs and what those signs signify—their meanings and impacts on our collective and individual experience and imagination. Sign and signifier together shape the world we see around us—all of it. That’s how societies stake out collective identities for themselves—by their unique expressions of interpreting what signs signify. Fashion is one of the most beautiful expressions of this binding relationship. But fashion, as Chanel states, is not one-dimensional. It’s not simply how we dress the body. Rather, fashion runs deeper as a marker for how society displays itself in a continuing act of changing. In that way, fashion reflects life on our planet as a dynamic force for change and renewal—a function of the natural order of life, death, and rebirth. I think that’s what Chanel is getting at. Fashion, a social construct that has been around since recorded human history, reflects the rhythmic changes societies naturally undergo. For that reason, among so many others, it is endlessly fascinating to me. It’s never static; it never ceases to move. Fashion is constantly changing and in such change it continually renews our interest in ourselves and in our bodies.

Here, I need to separate my deep interest in fashion history from my work as a fashion photographer for the last part of your question. As a photographer, I feel connected to the legendary dress designer, Madeleine Vionnet—like Vionnet, I’m continually fascinated with the varieties and beauty of the female form.“

Çiğdem Gül: The French fashion designer Madeleine Vionnet as queen of couturiers revolutionized not only fashion in the twenties and thirties, but also the feminine body language of women. Stars of the time like Marlene Dietrich liked to wear the elegant robes of Vionnet. Diana Vreeland, the former editor from American Vogue, said, that Madeleine Vionnet is most important fashion designer of the 20th century.

Arun Nevader: Oh, yes.

NEW YORK, July 13, 2002: Actress Heather Locklear: „The FOX and The Grapes“ – A Benefit Dinner for the Michael J. Fox Foundation for Parkinson’s Research and The Parkinson’s Institute

Arun Nevader: »Aside from witnessing the sheer magnificence of a show produced by The Blonds, I can assure you that there is no greater challenge for a runway photographer than shooting fingernails on models flying down the runway. Having mastered the technique, I can say that it’s probably my finest achievement as a photographer, and fortunately I don’t have too many competitors for shooting fingernails.«

Arun Nevader: I cannot count the number of fashion shows that I’ve shot over the years. For me, fashion is not just about the clothes or the model. When I see a model on the runway, I see a new version of womanhood with each look, and most importantly, never to be seen again. The show is an act of pure imaginative force in that way. That is to say, each outfit, each look on the runway projects a symbolic version of female identity that is endlessly in an act of metamorphosis. Have you ever wondered why so many runway shows end with the bridal gown(s)? Let’s leave the gender politics aside; it nevertheless remains true that in societies both Western and Eastern, society dictates that the pursuit of human fulfillment for women should culminate in marriage. Hence, we have the birth of the plot of most comedies. Think of how all of Shakespeare’s comedies end, to cite one towering example. Think of all the endings to Jane Austin novels, to cite another. Think of all the romantic comedies that you’ve seen on the screen. How do all these narratives end? They end with a wedding. The fashion show is just like these plays, novels and films. But the fashion show is more—it becomes the live, imaginative space wherein we witness multiple female subjectivities displayed through a variety of outfits that as signs signify the lives that we live in the pursuit that ultimate perfect moment—when the woman becomes a bride. I’m not claiming that I subscribe to such view of human fulfillment because I don’t; I’m just a visual reporter. The fashion show is a social ritual that displays the range of human visual beauty, leading to that final moment where the world goes white, and then the lights go dark. Documenting for others that evocative and beautiful imaginative space, that moment in time, is an endlessly remarkable experience and privilege for me as a runway photographer.

NEW YORK – NEW YORK CITY, February 07, 2006: Naomi Campbell wearing Heatherette Fall 2006 during Olympus Fashion Week Fall 2006 – Heatherette – Runway at Bryant Park.

Çiğdem Gül: You can easily shoot 20,000 images in a single day at fashion week if you are shooting 12 or more shows. How do you manage to capture the atmosphere of the moment in the best possible way when photographing?

Arun Nevader: When shooting runway, I’m not really concerned with atmosphere other than understanding the limitations of the stage lighting. Yes, I can shoot 20,000 images in a single day with a dozen or more shows—it’s completely exhausting. I get to that number because I can easily shoot between 50 and 100 images for a single look in a show. So, if you have 30 looks, that could easily shoot be 2,500 to 3,000 images for that show. Multiply that by 10 or more, and there’s the big number. Why so many shots per look? Because the more frames per look that you shoot, the greater your chances of capturing something remarkable. You get what others who under-shoot miss. You have to shoot the entire look, from entry to exit. Cameras are so fast now that it’s possible to shoot at 12 frames per second and still cover the entire outfit with 100, even 200 frames per look if it’s worth that effort. Fortunately, I have editors! Honestly, for fashion week I often don’t get a chance to see all my images—the editors do see them all, and they make the choices for what appears on Getty. On top of the shows, I also have the backstage and front of house to cover. If I’m shooting atmosphere, I’ll find it backstage. I should say that sometimes the show’s set design is so magnificent that I have to capture it along with the model. But on balance, I focus on the model first and everything else second, contrary to what my boss taught me 20 years ago. Jeff Vespa, a founding WireImage photographer once told me, “If you see an A-list celebrity in the front row, forget about the show. Get to the other side of the runway and shoot the celebrity in her front row seat watching the show with your long lens. I saw Vespa do that once with Britney Spears. I don’t blame him; his photo ran everywhere. But I’m not shooting fashion runway for the celebrity attendance unless I’m assigned to shooting the front row. I’m there for the clothes and the models—my personal connection to those irretrievable moments of beauty. Vespa would definitely be upset with me for missing that celebrity shot!

NEW YORK – NEW YORK CITY, November 09, 2011: Musician Kanye West performs during the 2011 Victoria’s Secret Fashion Show at the Lexington Avenue Armory.

NEW YORK – NEW YORK CITY, November 09, 2011: Model Adriana Lima walks the runway finale during the Victoria’s Secret Fashion Show at the Lexington Avenue Armory.

NEW YORK – NEW YORK CITY, November 09, 2011: Model Adriana Lima walks the runway finale during the Victoria’s Secret Fashion Show at the Lexington Avenue Armory.

NEW YORK – NEW YORK CITY, November 09, 2011: Model Miranda Kerr walks the runway in the $2.5 million bra during the Victoria’s Secret Fashion Show at the Lexington Avenue Armory.

NEW YORK – NEW YORK CITY, November 09, 2011: Model Miranda Kerr walks the runway in the $2.5 million bra during the Victoria’s Secret Fashion Show at the Lexington Avenue Armory.

FLORIDA – MIAMI BEACH – November 15, 2008: Heidi Klum walks the runway at the Victoria’s Secret Fashion Show at the Fontainebleau Hotel.

FLORIDA – MIAMI BEACH – November 15, 2008: Heidi Klum walks the runway at the Victoria’s Secret Fashion Show at the Fontainebleau Hotel.

NEW YORK – NEW YORK CITY, November 09, 2011: Model Toni Garn walks the runway during the Victoria’s Secret Fashion Show at the Lexington Avenue Armory.

Çiğdem Gül: I know that you have shot the Victoria’s Secret fashion show a few times. What was that like?

Arun Nevader: This is the kind of response that could go on for pages, but I’ll try to keep it simple.

I shot Victoria’s Secret for five seasons. For the first two seasons, I shot for my agency, WireImage, but then had the honor to shoot for Thomas Concordia, who was the house photographer for VS. So, I shot backstage and runway for Tom as one of three or four house photographers on his crew with all access. Fortunately, I shot the golden years, and things have changed. The show began by being about the Victoria’s Secret line of intimate wear with stunning body models like Giselle Bundchen and Marisa Miller. Don’t get me wrong—Adriana, Alessandra, and Candice, among others are clearly dynamite body models. But by 2010, the Victoria’s Secret Fashion Show became far less about the lingerie line and far more about the top runway models of that particular year. So, it was really a show about the model more than the outfit. The outfit was just “there” to adorn the model. That’s fine, but it became a branding problem for Victoria’s Secret. I won’t name names, but I can think of a number of top 25 models who should have never walked in that show. Body models are not about what they’re wearing; they are about their bodies on display. Fashion models are all about what they’re wearing and their face. Their bodies aren’t built for intimate wear usually. Victoria’s Secret lost sight of its mission to brand its apparel and ultimately became just another entertainment event in December. It’s no surprise that they no longer produce their annual show.

Every Victoria’s Secret show was different and spectacular. A handful of press are credentialed for the show and that’s it. Security was tighter than it is at the White House. We would shoot the show a month before its televised showing in early December. It was a long and difficult day—at least 14 hours. They ran the show twice and we get to shoot it twice, often from a slightly different position, which was great. They ran it twice in case a model stumbled, like a slip on the runway; they could edit in the other take to make up for it. Each model had the runway for herself for her look, though performing entertainment could be on stage with her—like Justin Timberlake or Katy Perry. The production value and set design were always at the cutting edge of theatrical set design—gorgeous, breathtaking and highly theatrical.

From a photography perspective, shooting the show was always a significant challenge, especially in the earlier years of digital photography. The show was televised and it was produced with TV cameras in mind, not photographers. TV cameras have lens elements that perform at their very best in lower light settings. The lower light made for great TV, but in earlier years for us photographers, it was terrible and often frustrating. With moving subjects, you’re locked into a bottom figure for shutter speed to avoid motion blur. If the subject is underlit, and your shutter speed is set too low to compensate for the low light, then it’s impossible to freeze the motion in the shot, and the image is ruined. In the early days, digital cameras could not exceed a light sensitivity that could compensate for such low-light conditions. The riser was filled with photographer groans and cries—“Where’s the light!?” Still images always looked dark. I got around that problem by shooting with a Nikon 200mm f2.0 lens, which operates flawlessly in low light.

I always loved backstage at Victoria’s Secret. It was a time to get extraordinary shots, but also to connect with models who I shot in previous shows that year. So, I could tell Karlie Kloss that her Oscar show was amazing that year. Shooting the Victoria’s Secret Fashion Show was like a coda on the year for the fortunate few photographers who were able to shoot it.

CALIFORNIA – PALM DESERT, EL PASEO, March19, 2014: Actress Tia Shipman walks the runway for the Michael Costello Couture fashion show fall 2014 during Project Runway at El Paseo Fashion Week..

Yves Saint Laurent: »The most beautiful clothes that can dress a woman are the arms of the man she loves. But for those who haven’t had the fortune of finding this happiness, I am there.«

Çiğdem Gül: As a photographer, you have photographed beauties like Sharon Stone, Janet Jackson, Pamela Anderson, Heather Locklear, Adriana Lima, Miranda Kerr, Heidi Klum, Rosie Huntington-Whiteley, Thia Shipman, Doutzen Kros, Penelope Cruz and Karolina Kurkova in the last 20 years. How do you define beauty for yourself personally?

Arun Nevader: This is the big question, Çiğdem, at least for me. Covering a complete fashion week, which means shooting about 80 shows, backstages, parties, and other special events is exhausting; it can also be brutal, annoying, upsetting, disappointing, and unforgiving when you blow it (which happens). But when the crowd silences, the lights go down, and the runway lights go up something happens to every runway photographer. The world stops, we cease to feel the pain running through our limbs, our eyes widen, and we spend the next 17 minutes seeing a new world—never to be seen again—through our viewfinder. I love the ephemeral and momentary flashes of beauty to be seen once and never again. Photographing women on the runway is an incomparable privilege for me—less for what I see as beauty than what I recognize as an endlessly reimagining of female subjectivity in each look displayed on the catwalk. Women are so much more interesting than men in that regard—each runway look becomes a new version of womanhood on display in some idealized frozen moment. Capturing a unique moment of beauty is the serendipitous reward, but the real fulfillment is in understanding the multiplicity of identity that the runway brings to life for an instant. It’s possible to find that balance with the men’s shows at times, but far less frequently for me. This is a purely subjective opinion. I’m sure that other photographers feel quite differently.

On the subject of beauty: human beauty is purely expressive and connective, joining subject to subject not subject to object in ways that uplift and nurture the self. It is a moment we experience inwardly from what we see before us. I connect to expressions I’m fortunate and privileged to see, especially when I have a camera. Photography is a way of sharing that connection with others. Beauty is transformative as the self-begotten expression and recognition of who we are for each other. I believe that it’s misplaced to think of beauty as object-specific or material or even a state of being, as if to say, “That’s beautiful.” Yes, that may be true, but in some ways beside the point. We are connecting with a place inside ourselves, not the outer world. Beauty is kinetic not static—it’s something that happens—we feel it overtake us. It’s a warmth that glows inside made visible by the gift of our senses—for me, beauty is an inner light made visible through sight. It’s what binds us universally, across oceans and time, to both our history and our future. We all feel it or have the capacity to feel it. Each model who you’ve mentioned has her own entirely unique look and “beauty.” These models are masters of their craft, not simply beautiful women. When they turn on the burners, we feel that kinetic connection within us in ways that enrich human experience.

There are other ways to talk about beauty, but I’m talking to you as a runway photographer who works to capture a look—finding beauty is an occupational hazard that goes with my job. I admit to crying during some shows where the impact of a look is simply overwhelming.

NEW YORK – New York Fashion Week, 2018: Anna Wintour

Anna Wintour: »If you look at any great fashion photograph out of context, it will tell you just as much about what’s going on in the world as a headline in The New York Times.«

Çiğdem Gül: What were some of the highlights of your career as photographer? For example, the most exciting photo-shoot, biggest job, etc.. With which celebrity did you have your most extraordinary encounter as a photographer? What happened?

Arun Nevader: Highlights in my career—the list is very long; I’ve been tremendously fortunate in so many ways. Honestly, there are so many extraordinary photographers out there who never get a chance. Unfortunately, the metric for success is not talent, but access, which is more a matter of luck and opportunity. But if I had to pick a few great moments, then you can count all the Victoria’s Secret Shows, unforgettable moments with legendary celebrities, covering the Telluride Film Festival for 10 years—Peter O’Toole, Mickey Rooney, Claudia Cardinale, George Clooney, Jean Simmons, Werner Herzog, Laura Linney, Sean Penn, Daniel Day-Lewis, Ralph Fiennes, Penelope Cruz—the list can go on. Covering the Sundance Film Festival, CineVegas, the San Francisco International Film Festival, people like Isabella Rossellini, Ashton Kutcher, Mena Suvari, then others like Sharon Stone, Warren Beatty, Kevin Costner. It’s hard to choose. On great photographic assignments: shooting behind the scenes for a full day at the Cirque Du Soleil performance of Varekai with the actress Bai Ling was astonishing. I’ve shot hundreds of backstages at fashion week, but shooting first looks for Oscar De La Renta several years ago was definitely my best, along with the Barbie show at New York Fashion Week in 2009. Shooting front row and backstage for Carolina Herrera easily makes the list. Being instrumental in founding Iceland Fashion Week several years ago was an entirely unique experience, which I shot for four seasons. Icelandic models are unique among the world’s women and Icelandic landscapes seem from another planet. For the last six years, I’ve been the house photographer for Art Hearts Fashion, which produces about 150 shows per year, mostly from emerging designers. Most recently, I led a team of Getty photographers to cover Jordan Fashion Week in Amman, and an extraordinary event I hope to return to when they re-emerge. I fell in love with Japan while shooting on the streets of Shibuya district at night in Tokyo a couple of years ago with the beautiful Japanese model Sumire Hayashi as part of Tokyo Fashion Week. Backstages for Betsey Johnson and Matthew Williamson were unforgettable, especially with champagne flowing endlessly at 10 am for everyone. There are too many runway shows to list, but those for Chado Ralph Rucci stand out for me even 15 years later. Two years ago, I flew to New York from my home in Berkeley to shoot an 8-minute runway show for the sensational Vietnamese designer Phuong My—her first bridal collection. She allowed only three photographers other than me for her 21 looks. It was perhaps the most beautiful show I’ve ever shot, apart from the other two Phuong My shows that I’ve shot—one in Vancouver, Canada and the other in New York. Lastly, I have to count shooting the runway shoes for Christian Siriano and the fingernails for Creative Nail Design, which designs the nails for The Blonds shows and Libertine in New York. Aside from witnessing the sheer magnificence of a show produced by The Blonds, I can assure you that there is no greater challenge for a runway photographer than shooting fingernails on models flying down the runway. Having mastered the technique, I can say that it’s probably my finest achievement as a photographer, and fortunately I don’t have too many competitors for shooting fingernails. It’s a long list, Çiğdem with many stories embedded within so many of these events and opportunities.

NEW YORK – NEW YORK CITY; September 14, 2015: Model walks the runway for Threeasfour Spring 2016 at Pier 59.

CALIFORNIA – BERKELEY, March 2, 2006: UCLA guard Jordan Farmar presses for 2 points in the first half at the Haas Pavilion as UCLA beats Cal 67 to 58.

Arun Nevader »I most certainly admire the eclectic range and reach of the `Intercultural Network For The Highly Gifted´ – both in subjects that you capture and in such carefully curated human profiles. For me, the concept of `gifted´ aligns with my own pursuit of beauty as a subjective connection with an inner self rather than merely an object-oriented recognition of something outside ourselves.«

LOS ANGELES, October 30, 2003: Smashbox Los Angeles Fashion Week – Susan Holmes Pre-Show Performance by Guns and Roses. Scott Weiland with Duff McKagan, Slash and Matt Sorum.

Çiğdem Gül: Currently you are an instructor in Information Design at the University of California, Berkeley Extension. Please tell me about it.

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Arun Nevader: In 1999, I left the Ph.D. program at Berkeley where I was pursuing a degree in late eighteenth-century British literature. I received a teaching offer from the College of Engineering at Berkeley as a full-time lecturer in their Technical Communication Program. I taught senior engineering students and oversaw nearly 2,000 course projects in new tech development over a 10-year period. I retired from Berkeley in 2010 to take a job as a systems engineer for a food truck company doing subcontract work for a new Starbucks beverage truck venture. We designed and oversaw the launch of the truck on several college campuses throughout America. It was a fascinating and rewarding job, but it often conflicted with my work as a photographer, which of course I couldn’t accept for very long. I left that position and rejoined the university in 2015, accepting another teaching position in technical communication at UC Berkeley Extension. I spent three years writing three new courses for the new online program at Extension, and I now teach those classes. Most recently, I’ve been teaching our new course in information design, a subset of graphic design. In this course, I teach students to see the world with a new set of eyes. I teach them to see “through” the “things” that we can identify in a design and into the compositional elements that constitute those things—color, space, form, line, texture, and size. We study the archetypal design principles and how principles act upon these elements through one or more visual design theories, such as Gestalt or semiotics, to achieve a finished design product. Most of my students are professional technical writers seeking an increased proficiency in visual design. It’s an extremely rewarding class for both students and me—everything is essentially about art. What’s not to like about that? So, my life is a balance between teaching and photography. Teaching is year-round, and photography takes up about 12 weeks a year, at least before the pandemic. Fortunately, teaching online allows me to run class from anywhere in the world. I’ve held class from New York, Miami, Los Angeles, Vancouver, Tokyo, Amman, Jordan, and elsewhere. It’s hard to say if the entire fashion show industry will come back as we know it. I hope so. I’m ready to return, though I have no problem simply hunkering down in my North Berkeley home, surrounded by gardens, trees, and beautiful rolling hills. It’s very Mediterranean where I live.

CALIFORNIA – OAKLAND, February 25, 2015: David Ruth Exhibition Opening. David Ruth cast glass and steel sculpture on exhibit.

Çiğdem Gül: You are currently working for a contemporary Spanish sculptor and painter in Europe. You will be traveling to Europe when things permit in order to photograph those works in Europe. Please tell me about it.

Arun Nevader: I’ve been working in New York with the Spanish sculptor and painter, Angel Orensanz for about three years. So far, I’ve photographed about 1,000 paintings and sculptures in his studio located on the top two floors of an historic neo-Gothic cathedral that he purchased in the early 1980s in the Lower East Side of Manhattan. It’s now a performance and event space that has hosted legendary fashion designers including Alexander McQueen. Orensanz has worked on artworks in public spaces throughout Europe for more than 50 years, with major installations in Spain and France. Yes, I’ll be traveling to Europe hopefully in 2022 to photograph the European pieces. Then we will be producing a catalogue raisonné of his work. It should be an exciting and valuable contribution to the art world. Looking at his work, you could imagine the life of souls in a landscape from The Divine Comedy—elements of Blake, Goya, and Turner interwoven with dynamic color and movement of form. Orensanz presents a unique visual idiom with imagery that displays an arresting and dreamy energy of human interaction—at once transcendent yet collective and social, often sublime, searching, and suggestive of some higher order.

I spent two weeks in Cologne about 20 years ago, attending the annual Drupa convention to learn about print-on-demand technologies for my academic work. I stayed in Old Cologne, right on the river, and would return by train from Dusseldorf each day to have dinner at Hoffmans—unquestionably one of the finest restaurants I’ve known. But beyond the old-world allure and cobble stone streets leading to the Danube, I’ve always admired the extraordinary intellectual history of Germany. I very much want to return to photograph the Mercedes Benz Berlin Fashion Week sometime soon—when we can turn the world right side up again.

A final word on my photography — I’ve always considered myself a press photographer, covering entertainment news. Fashion events are one dimension of this rich field. I shy away from labels such as “art.” I’ve never seen my work as fine art, but as accurate reporting. Yes, I do believe that an image can rise above its intention to reveal qualities that we see in art. But it’s the exception and unintentional. I very much like the idea that my photos are like the fashion shows themselves—they appear in newspapers and magazines, and then they are gone. There’s a comfort and understanding that comes with the recognition that beauty and its mimesis in art are transitory and momentary phenomena, or as Wordsworth would say in Book Eleven of The Prelude, “spots of time.”

Çiğdem Gül: Dear Arun, thank you for the interview. I learned a lot about the background sins in the fashion world from you through our conversation. I am very impressed by your diversity, talent, sensitivity and depth. Germany’s leading fashion week is moving from Berlin to Frankfurt. I wish that at some point you will come to Frankfurt am Main, Germany, and shoot shows in the fashion week here.

NEW YORK – NEW YORK CITY, September 11, 2010: Personality George Wayne, Actor Chris Noth and model Paula Devicqu appear for the launch of Rebecca Kudryavsky Spring 2011 Collection at the Grand Ballroom at The Plaza Hotel.

End of part 2

© Çiğdem Gül – April 30, 2021

Special Note: All photographs © Courtesy of Arun Nevader (Berkeley / California)

Der Beitrag ARUN NEVADER: Interview with internationally renowned US photographer – 2/2 erschien zuerst auf Intercultural Network For The Highly Gifted.

Arun Nevader

Interview mit dem international renommierten

und außergewöhnlichen US-Fotografen
 
 
 
 
 
 
 

Arun Nevader

in Berkeley, Kalifornien (USA)

Ehemaliger Fotojournalist auf Krisen- und Kriegsgebieten in Mittelamerika
(El Salvador, Guatamala etc.)

International renommierter Modefotograf bei Getty Images
(einer der zwei größten Bildagenturen der Welt) und US-Bildagentur WireImage.

Er hat bisher Fashion Weeks in den USA und Jordanien fotografiert,
ebenso Victoria´s Secret Fashion Shows, Runways, Film Festivals, Presse- und Unterhaltungsveranstaltungen.

Dozent am `UC Berkeley College of Engineering´ der Universität von Kalifornien, Berkeley.
Dieses College gilt als eine der renommiertesten Ingenieurschulen der Welt. 

Çiğdem Gül

in Wuppertal, Deutschland

Gründerin, Netzwerkerin, Publizistin und Autorin des weltweiten „Intercultural Network For The Highly Gifted“

Diplom-Ökonomin, Business Coach, Change Management Consultant, ehem. Vermögensverwalterin & Dozentin

Ehemalige Rechtliche Berufsbetreuerin für 3 Amtsgerichte, Verfahrenspflegerin & Gerichtsdolmetscherin

Interkultureller Coach für Hochbegabte, Vielbegabte, Höchstbegabte, Kreative und Hochsensible

Journalistin für die Sprachkombination Türkisch, Deutsch und Englisch

06. April 2021
Aus dem Amerikanischen Englisch übersetzt von © Çiğdem Gül

Um das Original-Interview in englischer Sprache zu lesen, bitte hier anklicken.

INTERVIEW – 1/2

Çiğdem Gül: Lieber Arun, wir befinden uns seit einem Jahr in der globalen Covid-19-Pandemie. In diesen außergewöhnlichen Zeiten wünsche ich Deiner Familie und Dir in Berkeley, Kalifornien vor allem Gesundheit. Wie geht es dir im Moment?

Arun Nevader: Danke, Çiğdem. Mir geht es ganz gut. Ich habe mich in die relativ ruhige, grüne Einsamkeit der Berkeley Hills zurückgezogen.

Çiğdem Gül: Es freut mich sehr, dass es Dir in Kalifornien gut geht. Wie hast Du diese Zeit bislang selbst erlebt, und wie ist die Situation in Kalifornien?

Arun Nevader: Kalifornien ist ein riesiger Staat, und daher unterscheidet sich der Status von Covid-19 dramatisch von Nord nach Süd. Die Positivitätsraten in Los Angeles liegen derzeit bei etwa 20%, in Berkeley jedoch bei 2%, was hauptsächlich auf bessere Praxis im Bereich der öffentlichen Gesundheit und die unterschiedliche Bevölkerungsdichte zwischen Süd- und Nordkalifornien zurückzuführen ist. Wenn ich von Los Angeles spreche, beziehe ich mich auch auf die dicht besiedelten Gemeinden östlich von Los Angeles in Richtung Wüste. Zum jetzigen Zeitpunkt ist die Situation in Südkalifornien schlimm, wenn nicht sogar katastrophal. Der Impfstoff wird sicherlich helfen, aber es wird Monate dauern, bis wir diese Pandemie umkehren können. Ich erwarte nicht – wenn wir Glück haben -, dass sich das Leben bis 2022 wieder normalisiert. Ich bin sehr zufrieden und glücklich, einfach Hause bleiben zu dürfen, in meinem wunderschönen Garten zu arbeiten, und meine Student:innen online aus der Ferne zu unterrichten. Ich bin jetzt vollständig geimpft und kann es kaum erwarten, wieder auf die Straße zu gehen, wenn sich das Leben wieder normalisiert.

Çiğdem Gül: Ich finde Deinen beruflichen Werdegang sehr abwechslungsreich  und spannend. Ich bewundere deine vielseitigen Arbeiten. In den 80er Jahren hattest Du als Fotojournalist in Mittelamerika inmitten des Bürgerkriegs in El Salvador und von Aufstandskonflikten in Guatemala die schrecklichen Bilder von Menschen fotografiert, um dann viel später als einer der gefragtesten High Fashion- und Pressefotograf vor allem bei den Fashion Weeks und `Victoria’s Secret` Shows sowie Unterhaltung für Getty Images auf den Laufstegen die schönsten Frauen und Männer der Welt zu fotografieren. Zudem bist Du als Dozent tätig an der Universität von Kalifornien in Berkeley Informationsdesign für die Technologieentwicklung im Studiengang  Technische Kommunikation. Derzeit arbeitest Du auch für einen  zeitgenössischen spanischen Bildhauer und Künstler in Europa.

Beginnen wir mit Deinem Beruf als Fotograf: Was sind die Gemeinsamkeiten und Unterschiede Deiner Eindrücke beim Fotografieren von gegensätzlichen Schauplätzen wie Bürgerkrieg und Fashion Week?

Arun Nevader: Der politische Konflikt in Mittelamerika zog mich zur Fotografie. Während unserer Arbeit auf dem Land hatten wir gesehen, dass das, was sowohl in El Salvador als auch in Guatemala vor Ort geschah, sich stark von dem unterschied, was in den Nachrichten berichtet wurde. Trotz der Dementis der Regierung, wurde die Zivilbevölkerung von deren Streitkräften angegriffen. Wir fühlten uns gezwungen, die wahre Geschichte zu erzählen. Und Bilder sind authentischer als Sprache. In El Salvador hatte ich das Glück, auf beiden Seiten des Konflikts zu arbeiten, zeitweise eingebettet in den Widerstand der Nationalen Befreiungsfront Farabundo Martí (FMLN – ist eine eine der zwei großen politischen Parteien in El Salvador). Andere Male habe ich über das US-Militär und die reguläre salvadorianische Armee berichtet. Eine solche doppelte Berichterstattung ist heute viel schwieriger, was darauf hinweist, dass Journalisten heute einer erhöhten Gefahr ausgesetzt sind. Die Dinge haben sich geändert — sicher, es war in den frühen 1980er Jahren sowohl in El Salvador als auch in Guatemala gefährlich, aber die Sicherheit für Journalisten ist heute fragiler als vor 40 Jahren. Ich erinnere mich, dass unser Mietwagen von salvadorianischen Guerillas während einer Militäroperation entführt wurde, und sie damit beabsichtigten, die salvadorianische Armee zu überfallen. Das ist eine regelmäßige Aktion in der Region Chalatenango. Vier kampferprobte Teenager näherten sich höflich unserem Auto an einem Kontrollpunkt, richteten vier M16-Automatikgewehre auf unsere Köpfe und baten uns beiläufig, auszusteigen. 

Çiğdem Gül: Für mich hört sich das schrecklich an!

Arun Nevader: Wir stiegen aus. Der Anführer sagte: „Gracias Señor. Bitte warten Sie hier und wir kommen bald wieder.“ Wie versprochen kehrten sie etwa 4 Stunden später zurück, mit zerschlagenen Windschutzscheiben vorn und hinten, und gesät mit Einschusslöchern in der Größe von Silberdollar auf dem Heck des gemieteten Toyota Corolla. Sowohl die Rücklichter als auch Teile des Hecks waren komplett weg. Das ganze Auto war mit einem seltsamen weißen Pulver bedeckt, als wären sie durch eine Mehlfabrik gefahren. Zumindest lief es noch. Sie waren sehr entschuldigend und wollten vor allem ein Foto; also machte mein Kollege ein Foto von den Jungs und mir.

MITTELAMERIKA – EL SALVADOR: Vor über 20 Jahren: Arun Nevader und die vier  kampferprobten Teenager.

 
Wir saßen mit den salvadorianischen Guerillas alle noch ein paar Stunden herum, rauchten zusammen, tranken TicTac – einen nahezu giftigen Maiswodka – und sprachen über die düstere Zukunft von El Salvador – wir waren Freunde und für diesen kurzen Moment Kameraden. Journalisten laufen heute ständig Gefahr, entführt zu werden und Schlimmeres zu erleben. Wir fühlten uns von der FMLN nie bedroht, allerdings war die Atmosphäre in Guatemala völlig anders.

 
MITTELAMERIKA – EL SALVADOR, 1984: Mitte: Der Berater der US Navy Seals (Mitte) führte eine Patrouille salvadorianischer regulärer Armeetruppen zu einer Such- und Zerstörungsoperation gegen die FMLN außerhalb von San Vicente durch. Ein salvadorianischer Soldat wollte die Rückseite eines Gebäudes beschützen.

MITTELAMERIKA – GUATEMALA, 1984: Arun Nevader vor einer Hütte bei den guatemaltekischen Spezialeinheiten in Salquil.

MITTELAMERIKA – GUATEMALA, 1984: Guatemaltekische Truppen der regulären Armee, die zivile Aktivitäten in der Stadt Nebaj überwachten,

KALIFORNIEN – LOS ANGELES, 20 Jahre später: KALIFORNIEN – LOS ANGELES, 20 Jahre später: Arun Nevader war als Modefotograf in Downtown, der Innenstadt von Los Angeles, auf der Fashion Week unterwegs.

15 Jahre später in Hollywood bei den Independent Spirit Awards in Santa Monica, Kalifornien im Jahr 2001, hing ich mit meinem Sohn ab, der das erfolgreiche Medienunternehmen `WireImage´ leitete. Wir saßen zusammen im Presseraum, als er sich zu mir umdrehte und sagte: „Dad, nimm bitte diese Kamera! Wir brauchen Dich sofort im Award Room. Die Preisträger:innen kommen und wir brauchen einen zweiten Fotografen. Komm´ bitte und hilf mir!“ Er gab mir eine Nikon D1—die neue Profi-Digitalkamera – und sagte: „Beeile Dich, verpasse sie nicht!“ Ich hatte zuvor noch nie eine Digitalkamera in der Hand gehabt und hatte keine Ahnung, was passieren würde. Ich lief in den Raum und gleichzeitig kam Scarlett Johansson heraus und hielt ihre Trophäe strahlend, wunderschön, lächelnd und bereit für Fotos. Ich war dort dicht gedrängt mit 50 anderen Fotograf:innen. Und wir fingen alle an zu fotografieren. Ich hatte keine Ahnung, was ich tat. Es war alles in ungefähr 2 Minuten vorbei und irgendwie bekam ich meine Aufnahme hin— mein erstes Promi-Foto. Es hat mich in dem Moment in den Bann gezogen. Später fand ich aber keinen Gefallen an Celebrity- Fotografie, dennoch öffnete sie mir die Tür zur Fashion-Fotografie. Als ich meine erste Runway-Show auf der Los Angeles Fashion Week fotografierte, war ich begeistert und wusste, dass ich nichts anderes mehr machen wollte—für immer. Es war, als würde man zum ersten Mal eine neue Kunstform entdecken. Ich hatte zuvor noch nie eine Modenschau erlebt und auch kein Interesse an Mode—bis zu diesem Moment, der mein Leben veränderte.

Çiğdem Gül: Der Beruf des Fotojournalisten in Krisen- und Kriegsgebieten und der Beruf des Streifenpolizisten hinterlassen beim Betroffenen unerwartete Spuren und Traumata. Meine jahrelange berufliche Zusammenarbeit mit einigen solcher  Fotojournalisten und Polizisten hat mir gezeigt, dass sie von ihrem Job traumatisiert sind. Welche Erfahrungen hast Du gemacht? Wie hast Du die schrecklichen Szenen überwunden?

Arun Nevader: Meine eigene Arbeit in Mittelamerika hatte mehr mit der Berichterstattung über die katastrophalen Folgen von institutionellem Völkermord und Kriegsführung zu tun als mit tatsächlichen Kampfhandlungen. Ich muss ein wenig abschweifen, um mein Verhältnis zu diesen Konflikten zu skizzieren. In Guatemala zum Beispiel konnten wir uns mit einer Eliteeinheit guatemaltekischer Armeesoldaten zusammenschließen, deren Aufgabe es war, die dichten Waldberge des sogenannten Ixil-Dreiecks zu durchsuchen, um in den Bergdschungel geflohene Indigene zu lokalisieren und zu repatriieren während der Schlachten der „weißen Schürze“, die Ende der 70er und Anfang der 80er Jahre in ganz Guatemala stattfanden. Ganze Dörfer und Gemeinden wurden ausgerottet, aber sie ließen eine Handvoll Menschen aus jedem Weiler (Dörfchen) leben. Diese Massaker sollten die indigene Bevölkerung terrorisieren und aufständische Truppen demoralisieren. Es hatte funktioniert. Wir reisten mit diesen Soldaten viel und erlebten, wie überlebende Zivilisten zurückerobert und dann in abgelegene Bergregionen in Internierungslager namens Modelldörfer umgesiedelt wurden, um diese Überlebenden an eine neue nationale guatemaltekische Sozialethik zu indoktrinieren, die die Schlüsselwerte für die indigene Identität leugnete. Genauer gesagt hatten wir geprüft, wie die Armee eine Rückführungspolitik entwickelte, die es ihnen ermöglichte, sowohl die Nahrungsmittelversorgung als auch die Arbeitskräfte zu kontrollieren. Die gesamten Kriegsanstrengungen in Guatemala wurden von israelischen Militärausbildern überwacht, die ihre eigenen Praktiken der Bevölkerungskontrolle der Palästinenser als Maßstab für die Messung der Kampagne zur Aufstandsbekämpfung in Guatemala ausübten. Das israelische Militär lehrte die Guatemalteken, dass sie, wenn sie Nahrung und Arbeit kontrollieren könnten, die Bevölkerung kontrollieren könnten. Während das US-Militär die Aufstandsbekämpfung in El Salvador mit weitaus weniger Erfolg durchführte, führte Israel die guatemaltekische Operation mit effizientem und brutalem Erfolg durch, zu der auch der Verkauf von Waffen, Uniformen und Ausrüstung an das Militär gehörte. Es gibt mehrere Situationen, die ich mir gerade vorstellen kann, die für uns damals eine echte Bedrohung  darstellten.

 
Wir haben Tod und Zerstörung in beiden Konfliktgebieten erlebt; aber ich kann nicht sagen, dass ich an Posttraumatischer Belastungsstörung leide. Ich erinnere mich, wie ich für eine kurze Zeit von den Konflikt- und  Kriegsgebieten nach Hause kam und später an der Schulveranstaltung meiner Tochter in Berkeley teilnahm. Sie war damals 8 oder 9 Jahre alt. Ich erinnere mich an meine damals emotionale Spaltung von der Realität, die ich empfand—eine Unfähigkeit, meinen inneren Konflikt zu lösen, bei dem ich das privilegierte  Leben meiner Tochter mit dem Trauma, dem Entsetzen und der Verzweiflung der verwaisten Kinder verglich, die ich in den guatemaltekischen Bergen zurückgelassen hatte. Die meisten dieser verwaisten Kinder mussten ein oder zwei Jahre zuvor mit ansehen, wie ihre Eltern vor ihren Augen getötet wurden.

KALIFORNIEN – LOS ANGELES, 11. Oktober 2018: Das Model auf dem Laufsteg im `The Majestic Downtown´ trägt ein Kleid aus der Kollektion des amerikanischen Stardesigners Michael Costello bei der Los Angeles Fashion Week (LAFW) Sommer 2019, gesponsert von Art Hearts Fashion.

KALIFORNIEN – LOS ANGELES, 15. Oktober 2003: Der 10. Jahrestag des Dream Halloween Los Angeles Fundraising-Event: Der gewählte Gouverneur Arnold Schwarzenegger und Jamie Lee Curtis.
Wusstest Du, dass Arnold Schwarzenegger nachweislich einen IQ von 135 hat? Er wanderte mittellos von Österreich in die USA aus, und verwirklichte mit seiner Karriere den „amerikanischen Traum“. Schwarzenegger schloss sein Studium 1979 an der University of Wisconsin-Superior mit einem Abschluss in Internationalem- Fitness-Marketing und Betriebswirtschaftslehre ab.

KALIFORNIEN – LOS ANGELES, 4. März 2010: 
Sylvester Stallone ist ein US-amerikanischer Schauspieler, Regisseur, Filmproduzent und Drehbuchautor. Er nahm am 5. jährlichen „Los Angeles Italia Festival“ zu Ehren des Schauspielers Samuel L. Jackson und seiner Frau Latanya im `Mann Chinese 6´ teil. Am Rande sei erwähnt, dass Silvester Stallone einen IQ von160 hat.

KALIFORNIEN – SAN FRANSISCO, 25. April 2002: Das „San Francisco International Film Festival“ ist eines der ältesten Festivals der USA. Sharon Stone und ihr damaliger Ehemann Phil Bronstein kamen während des 45. San Francisco International Film Festival – Film Society Awards Night zu einem privaten Empfang im Argent Hotel. 
Sharon Stone ist ebenfalls hochbegabt und hat einen IQ von 154. Sie ist Mitglied bei der MENSA.

Arun Nevader »Als Fotograf fühle ich mich der legendären Modeschöpferin Madeleine Vionnet verbunden—Wie Vionnet bin ich immer wieder fasziniert von der Vielfalt und Schönheit der weiblichen Form.«

KALIFORNIEN – MERCED, 16. Mai 2009: Der Standort Merced ist der zehnte Campus
der Universität von Kalifornien. Die Universität ist die erste amerikanische Forschungs-Universität, die im 21. Jahrhundert gebaut wurde. Frau Michelle Obama, die damalige First Lady der Vereinigten Staaten, hielt im Rahmen der allerersten Absolventenfeier am 16. Mai 2009 eine Rede. Die 500 Diplomanden sind der erste Abschlussjahrgang seit der Eröffnung der Universität im Jahr 2005.

Çiğdem Gül: Arun, was hat dich als Fotograf dazu bewogen, von einem Extrem ins andere zu gehen?

Arun Nevader: Im Jahr 1986 verließ ich Mittelamerika. Ich änderte meine Lebensrichtung. Meine beiden kleinen Kinder brauchten ihren Vater mehr als mein Bedürfnis, weiteren Gefahren im Ausland nachzugehen. Ich hatte meine Ziele in Mittelamerika erreicht. Paradoxerweise führte im Laufe der Zeit die Erfahrung der zurückliegenden Konflikte zu einer erhöhten Gefahr und Exposition. Ich hatte das Gefühl, dass die Gefahren nur noch zugenommen hatten. Also kehrte ich an die Hochschule in Berkeley zurück, vielleicht als eine Art Therapie, um mich von den bisherigen Einsätzen in Konflikt- und Kriegsgebieten als Fotojournalist zu erholen. In der Folgezeit von 15 Jahren nahm ich keinen Fotoapparat mehr in die Hand. Im Jahr 2000 gründete mein Sohn ein bemerkenswert erfolgreiches Medienunternehmen, WireImage (www.wireimage.com). Seine neue Fotoagentur revolutionierte die Art und Weise, wie Publikationen weltweit auf Fotos zugreifen und diese hauptsächlich in der Unterhaltungsindustrie veröffentlichen konnten. Das Unternehmen wurde schnell zur wichtigsten Entertainment-Fotoagentur der Welt und übertraf damit die Big Player wie Getty, AP, UPI, Corbis, Image-Direct und andere. Er brauchte Unterstützung und sagte eines Tages zu mir: „Dad, lege los! Ich möchte, dass Du für mich arbeitest.“ Das nächste, was ich wusste, war, dass ich ein Celebrity- Fotograf geworden war. Es war eine spannende Zeit, da ich gerade einen Lehrauftrag als Dozent in Vollzeit am College of Engineering der UC Berkeley angenommen hatte. [ Anmerkung von Çiğdem Gül: „Das College of Engineering ist eine von 14 Schulen und Colleges an der University of California in Berkeley. Das 1931 gegründete College gilt als eine der renommiertesten Ingenieurschulen der Welt.“ Quelle: Wikipedia: Englisch] Im Grunde hatte ich zwei neue Berufswege eingeschlagen, die ich bis heute, also 20 Jahre später, immer noch miteinander kombiniere.

Çiğdem Gül: Wer hat Dich dazu inspiriert, Fotograf zu werden? Welche Fotografen aus der Vergangenheit oder Gegenwart haben Dich am meisten beeinflusst?

Arun Nevader: Ich wurde nie inspiriert, um Fotograf zu werden. Es ist einfach passiert. Als ich in Mittelamerika zum ersten Mal einen Fotoapparat in die Hand nahm, sollte es die Wahrheit dokumentieren und Geschichten erzählen. Nachdem ich Mittelamerika verließ, ließ ich auch die Fotografie hinter mir zurück. 15 Jahre später kehrte ich wieder zur Fotografie zurück, weil ich dachte, dass ich einen positiven Beitrag zum neuen Unternehmen meines Sohnes leisten könnte. 
Als ich anfing, Unterhaltungsveranstaltungen für WireImage zu fotografieren, wusste ich sofort, dass ich es liebe. Ich hatte das große Glück, für ein Unternehmen zu arbeiten, das Zugang zu allen hochkarätigen Unterhaltungsveranstaltungen weltweit hatte. Meine Möglichkeiten waren endlos, und ich verdanke all´ diese Möglichkeiten meinem Sohn. Trotz alledem ist WireImage ein auf Leistung basiertes Unternehmen von einer Gruppe hart umkämpften Fotografen, die meinen Fähigkeiten skeptisch gegenüberstanden. Ich hatte zwar die Chance, aber ich musste trotzdem qualitativ hochwertige Bilder produzieren. Das Handwerk der digitalen Fotografie und Bildbearbeitung musste ich sofort erlernen. Für Schule und Handwerk war keine Zeit.—Ich musste einfach auf den Veranstaltungen fotografieren und die Bilder bis 5 Uhr morgens des darauffolgenden Tages veröffentlichen. Dieses anfängliche Training führte im Laufe der Zeit zu Disziplin in meinem Arbeitsablauf. Vor allem lernte ich schon früh, wie es mir gelingen würde, dass meine Fotos direkt aus der Kamera bereits nahezu perfekt sein würden.

In den Anfangszeit meiner Tätigkeit in der Celebrity-Fotografie wurde ich mit Mode-Events beauftragt, weil keiner der erfolgreicheren Pressefotografen Mode fotografieren wollten. Fotografien von Mode-Events verkauften sich nicht annähernd so gut wie Fotografien von Prominenten; also war das Feld für mich weit offen. Ich stellt für mich fest, dass ich es insgesamt liebte, bei Runway und Fashion Weeks zu fotografieren. Bis vor 2001 hatte ich beruflich das Thema Mode nicht favorisiert. Ich erinnere mich an meine ersten Show-Aufträge, und wie ich darin dieses bemerkenswerte Gefühl empfand, als hätte ich eine ganz neue Kunstform entdeckt, die vergänglich und dauerhaft zugleich ist. Der Laufsteg-„Look“ dauert vielleicht 1 Minute, aber in diesen wenigen Momenten scheint die Zeit stehen zu bleiben. Und die Herausforderung besteht darin, eine Dimension der Schönheit einzufangen, die mit bloßem Auge allein nie zu sehen wäre. Ein fotografisches Bild ist ein Moment, der in der Zeit eingefangen und eingefroren ist. Das ist ein starker Anreiz, Fotograf werden zu wollen. Wenn das Bild erfolgreich ist, hat es den Betrachter dazu bewegt, etwas zu sehen, das über unsere gewöhnliche visuelle Erfahrung hinausgeht.

Den größten Einfluss auf mich hatte der Fotograf Herb Ritts, wobei ich stets auch Fotografen aus der Mitte des 20. Jahrhunderts wie Helmut Newton, Louise Dahl-Wolfe, Frank Capa, Martin Munkacsi, Erwin Blumenfeld, Irving Penn und natürlich Richard Avedon sehr schätze, weil sie die Studio- und Location-Fotografie in die Moderne gebracht haben. Als Meister einer modernistischen Form setzen sie heute Maßstäbe für die Modefotografie.

KALIFORNIEN – LOS ANGELES, 20. Oktober 2019: Während der Los Angeles Fashion Week SS/20, präsentiert von Art Hearts Fashion, lief Valentina Sampaio für den bekannten Modedesigner Michael Costello über den Laufsteg. Sie ist ein brasilianisches Supermodel und das erste Transgender-Model des Dessous-Labels `Victoria’s Secret´.

Çiğdem Gül: In einem externen Interview sagtest Du, dass Du in der Fotografie sehr nach optimalen Farben, Ausgewogenheit, Tiefenschärfe und zeitloser Fremdheit seltener Schönheit suchst, denn diese Dinge sind oft die Dinge, die ein Shooting ausmachen. Wie schafft man es, all diese Kriterien in der Fotografie zu erfüllen, wenn Glück allein nicht ausreicht?

Arun Nevader: Na ja, wir sollten zunächst differenzieren, welche Aufgabe ein Fotoapparat hat, und was die Aufgabe eines Fotografen ist. Bei dem Fotoapparat haben wir die technischen oder mechanischen Themen, die jedes Foto beeinflussen. Qualitäten wie Farbe, Weißabgleich, Belichtung und Schärfentiefe werden unter anderem von der Kamera gesteuert. Dann haben wir das, was der Fotograf macht—das ist schwieriger zu erklären. Die Beziehung zwischen Kamera und Fotograf variiert je nach Art der Fotografie. Bleiben wir beim Runway, denn dort ist es, was ich in erster Linie mache. Runway ist Action-Fotografie—denke an Sport und Wildtiere. Unsere Models  sind fast immer in Bewegung, und es gibt keine zweite Chance, einen Moment zu wiederholen, wenn man ihn verpasst hat. In jedem Model-Fashion-Look, der über den Laufsteg geht, liegt ein Geheimnis und eine Schönheit. Es ist die Aufgabe des Fotografen, das Geheimnis und die Schönheit des Models zu finden. Um sie auf dem Laufsteg zu finden, müssen wir wissen, wo wir danach suchen müssen. Sie sind fast immer in Übergangsmomenten zu finden, wo das Model post, bevor es umkehrt. Sie sind auch im Profil, im Detail, und meistens auch bei dem richtigen Standort des Fotografen am Laufsteg der Show zu finden. Den richtigen Standort am Laufsteg der Show zu finden ist ein großes Thema bei den Fotografen, die sie aber nicht ganz verstehen. Fotografen-Positionen auf dem Riser sind hochgradig `politisch´ und werden streng kontrolliert. Ich habe viele Jahre damit verbracht, aus der obersten Reihe zu fotografieren, oft auf die eine oder andere Seite; Ich brauchte Jahre und viele `politische´ Beziehungen, um einen zentralen Platz zu beanspruchen. Sie müssen genau in der Mitte des Runways sein. Und ich mag es, nur ein paar Zentimeter niedriger als das Modell zu stehen. Also fotografiere  ich leicht nach oben. Das verleiht dem Bild immer Dramatik und Gewicht, da das Modell den Rahmen dominiert. Wenn man ein Model fotografiert, erscheint sie kleiner und die Kamera dominiert den Blickwinkel. Ich möchte, dass das Model so aussieht, als ob es die Kontrolle hätte. Ich könnte hier mehr über Schönheit sprechen, aber ich denke, wir kommen später in diesem Gespräch dazu. Die Erkenntnis hier ist, dass die Kamera lediglich ein Gerät ist. Ein erfahrener Runway-Fotograf kann das Gerät steuern, indem er instinktiv weiß, wie das Licht zu lesen ist, wie man sofortige Anpassungen vornimmt und vor allem die bevorstehende Aufnahme bereits vor dem geistigen Auge sieht. Ein letzter Gedanke zu diesem Thema: Es gibt eine Menge Glück in der Laufsteg-Fotografie, aber die Kameras haben sich in den letzten fünf Jahren so weit entwickelt, dass es viel einfacher ist, technisch perfekte Bilder einzufangen. Ob das Bild diesen atemberaubenden „Wow“-Faktor zeigt, hängt von der Fähigkeit des Fotografen ab, diesen Moment zu `sehen´ und einzufangen.

[ „Als Laufsteg (engl. auch Catwalk oder runway) bezeichnet man in der Modewelt ein verlängertes Bühnenpodest ohne Geländer, das dem Defilieren während einer Modenschau dient und meist weit in die Zuschauerreihen hineinreicht. Der Laufsteg ermöglicht es den Models, den Zuschauern ihre zur Schau gestellte Mode von allen Seiten zu präsentieren.“ Quelle: Wikipedia]

KALIFORNIEN – LOS ANGELES, 8. November 2003: COLORADO – TELLURIDE, 3. September 2011: Die Schauspieler George Clooney und Lori Woodley nahmen an den Fragen und Antworten für The Descendants während des 38. Telluride Film Festivals teil.

KALIFORNIEN – LOS ANGELES, 08. November 2003: Der britische Schauspieler Hugh Grant während der 12. jährlichen BAFTA/LA Britannia Awards im Century Plaza Hotel, einem 19-stöckigen Luxushotel in Century City.

KALIFORNIEN – LOS ANGELES COUNTY – BEVERLY HILLS, 10. September 2003: Hugh Hefner (1926-2017), Gründer und Chefredakteur des US-amerikanischen Playboy-Magazins und Herausgebers während Christies Playboy-Ausstellung. `Christies´ ist ein weltweites und sehr edles Auktionshaus für alles Einzigartige und Schöne, das seit 1766 existiert.

Çiğdem Gül: Was macht eine Person fotogen?

Arun Nevader: Fotogen zu sein—ist ganz einfach. Menschen, die fotogen sind, lieben die Kamera einfach. Ich meine, sie brauchen es und wollen es so sehr, wie der Fotograf es will. Sicher, es gibt keinen Ersatz für auffallend radikale oder klassische Schönheit, aber die „Photogenesis“ — habe ich gerade ein neues Wort erfunden?— ist ein Geisteszustand, die Auseinandersetzung eines Subjekts mit etwas Größerem als sich selbst, ein Bedürfnis, sich mit dem Betrachter in einer Ökonomie des visuellen Austauschs zu verbinden, von einer inneren Energie angetrieben, die das Subjekt mit dem Betrachter verbindet. Selbst die stillschweigende Einreichung eines Fotos löst eine solche Reaktion aus, wenn wir sagen, das Motiv sei fotogen.

NEVADA – LAS VEGAS, 18. Juni 2005: Wilhelm Ernst `Wim´ Wenders beim CineVegas Film Festival 2005 unter dem Vorsitz von Dennis Hopper im Brenden Theater im Palms Casino Resort in Las Vegas. – Wim Wenders Vanguard Director Award und Filmvorführung.

Win Wenders ist als Filmemacher, Dramatiker, Autor und Fotograf die Schlüsselfigur einer Generation deutscher Filmemacher, der frischen Wind in die Szene brachte und gerne mit unterschiedlichen Storytelling-Formaten experimentierte. Wenders ist weltweit bekannt für Arthouse-Klassiker wie „Paris, Texas“ und „Wings of Desire“ und Oscar-nominierte Dokumentarfilme.

Çiğdem Gül: Auf welchen Events und Festivals hattest Du beispielsweise Pierce Brosnan, Harrison Ford und Ashton Kutcher fotografiert? Gab es etwas, das Dich  beeindruckt oder zu Kritik an diesen Prominenten geführt hat?

Arun Nevader: Fast alle meine Celebrity-Fotografien entstanden zu Beginn meiner Karriere, als ich routinemäßig große Filmfestivals, Preisverleihungen, Promi-Partys und andere Unterhaltungsveranstaltungen fotografierte. Sie waren herausfordernd, stressig und lohnend. Ich hatte Pierce Brosnan auf einer für A-Prominenz exklusiven Ski-Party  fotografiert, die vom InStyle Magazin veranstaltet wurde. Ich war ein vom Hausherr beauftragter Fotograf. Für das Z!NK Magazin hatte ich Harrison Ford beim Telluride Film Festival fotografiert, und Ashton Kutcher beim Sundance Film Festival. Diese Schauspieler waren alle pflegeleicht und wunderbar zu fotografieren, obwohl es bei männlichen Schauspielern nicht immer so ist. Ich hatte unter anderem große Schwierigkeiten mit Sean Penn, Tobey Maguire und Alec Baldwin. Ich beschuldige sie nicht für ihre Feindseligkeit, aber es ist immer noch nicht einfach. Fotografen halten eine Momentaufnahme fest. Männer mögen es nicht, dabei als Bildmotiv eingefangen zu werden, erst recht nicht von männlichen Fotografen. Aber ich habe beide Seiten der Medaille gesehen. So hatte ich auch wundervolle Momente mit Persönlichkeiten wie Warren Beatty, Kevin Spacey, Mickey Rooney, Jon Voight, Peter O’Toole, Ralph Fiennes, Daniel Day Lewis und vielen anderen. Ich versuche durch das Thema des Geschlechts hindurchzusehen, was ein Bild ein zweites Mal wert ist, betrachtet zu werden wie jedes visuelle Design—seine kompositorischen Elemente, die das menschliche Subjekt als Form im Raum einbezieht. Wenn wir uns darin verfangen, wen wir fotografieren, dann sollten wir Geschichten schreiben und keine Fotos machen. Der ganze Rahmen zählt, nicht nur sein Thema.

KANADA, BC – VANCOUVER, March 25, 2017: KANADA, BC – VANCOUVER, 25. März 2017: Auf der Vancouver Fashion Week Herbst/Winter 2017 ging ein Model im chinesischen Kulturzentrum von Greater Vancouver für das Label Jemmila über den Laufsteg.

Çiğdem Gül: Im islamisch geprägten Land Jordanien warst Du auf der Fashion Week 2018 als Fotograf tätig. Erzähle uns doch bitte von Deinen Eindrücken und Erfahrungen dort.

Arun Nevader: Dies ist eine weitere komplexe Frage, die es zu beantworten gilt. Ich muss meine Arbeit dahingehend trennen, dass ich ein Team von `Getty Image´- Fotografen zu leiten hatte, um Jordaniens erste große Modewoche zu filmen, um meiner persönliche Erfahrung zu machen, das Land zu bereisen und Menschen aus allen Schichten der jordanischen Gesellschaft zu begegnen. Jordanien ist samt des dortigen Volkes ein Land von tiefer Schönheit und menschlicher Güte. All´ das, was ich gerade über Modenschauen gesagt habe, gilt auch für das, was sich während der Jordanien Fashion Week in Amman abgespielte. Modest Fashion [Verfasserin: „Modest Fashion = Die Lust an der Verhüllung zum globalen Mode-Phänomen] als Designbewegung in der internationalen Modeszene hatte mich schon immer interessiert. Ich war zutiefst berührt von einer Modest Fashion-Ausstellung in San Francisco einige Monate vor der Jordanien-Reise. Das Shooting der Jordanien Fashion Week mit Blick auf Modest Fashion hatte mir völlig neue Perspektiven geöffnet, was Kleidung und Stil anbelangt. Ich hatte mich auch gefreut, europäische Designer und Teilnehmer in Amman zu sehen. Wir hatten einen sehr engen Dreh- und Reiseplan, aber die Dreharbeiten führten uns über den Laufsteg hinaus ins Land selbst. Die Fashion Week hat das möglich gemacht.

Allein in Jordanien zu sein, inspirierte mich dazu, tiefer in die jahrhundertealte Geschichte dieses außergewöhnlich schönen Landes zu blicken – ein Land, in dem Jesus gewandert war, ein Land, in das das Römische Reich seine fortschrittliche Architektur, Infrastruktur und dominierende Besatzung brachte. Aber wenn wir über das frühe Christentum und den römischen Einfluss sprechen, sollten wir erkennen, dass all´ diese außergewöhnliche frühe Geschichte und kulturelle Interaktion sieben Jahrhunderte vor der Geburt des Islams liegt. Jordanien ist heute ein Land des Friedens, der Schönheit und der menschlichen Güte, umgeben von Konflikt-, Zerstörungs-, Unterdrückungs- und Katastrophengebieten. Natürlich wurde Jordanien von den Ereignissen in der Region, insbesondere Syrien, seinem wichtigsten Handelspartner, stark getroffen.

Abschließend möchte ich sagen, wie ich Jordanien erlebt habe: Ich erinnere mich, wie an einem sonnigen frühen Nachmittag im März mich von unserem Fotografenteam entfernte und alleine durch die Ruinen des Herkules-Tempel, römische korinthischen Säulen im Citadel Hill, hoch oben auf der Stadt Amman spazieren ging. Ich war dort, um Landschafts- und Stadtfotos der Ruinen und Amman für das Jordan Tourism Bureau zu machen. Ich war total fasziniert von der Art und Weise, wie solch steinige architektonische Pracht selbst zur Landschaft geworden war— als hätte die Erde diese einst römische Zitadelle gerade wieder in sich aufgenommen. Wenn nicht die Zeit, so schien das Leben selbst in diesem Moment still zu stehen vor dem weißen, brillanten Licht dieser monolithischen Kalksteinruinen, sanften Hügeln, die mit grünem Gras unter einer formicablauen Himmelskuppel bedeckt waren. Die Szene schien mit Licht geschmückt zu sein mit einer Geschichte, die zugleich uralt, mir aber zutiefst seltsam vertraut war. Es war gegen Mittag an diesem Tag, als der Gebetsruf über die Hügel erklang und das ganze Tal mit einer Erinnerungsmusik erfüllte, die mich wie ein Blitz traf. Ich blieb stehen, ich saß, ich hörte zu, ich verstand. Dieses Gebet erklang und schien die Luft selbst zu werden, die als Naturtatsache, zeitlos schöne Melodie des Heiligen aufgenommen werden konnte. Bis heute, wenn ich an genau den Moment denke, als der Ruf ertönte, erlebe ich diesen Moment mit bleibender Dankbarkeit. Die Mode hatte mich dorthin gebracht.

NEW YORK – NEW YORK CITY, 14. Februar 2009: Barbie Fashion Week im Herbst 2009 während der Mercedes-Benz Fashion Week im The Tent im Bryant Park. Models im Backstage.

JORDANIEN- AMMAN, 30. März 2019: Der weltbekannte Meister-Chocolatier Matthew Muller spricht auf der Lindt Chocolate Couture Show während des Jordanien Fashion Weeks im 5-Sterne Kempinski Hotel Amman.

Çiğdem Gül: Ich bin sehr positiv überrascht, dass international bekannte Produktmarken wie das deutsche Auto „Mercedes-Benz“, die Schweizer Schokolade „Lindt“, die amerikanische Modepuppe „Barbie“ der Spielwarenfirma Mattel, Inc. während der Fashion Weeks ihre eigenen Modenschauen oder Couture-Shows haben. Warum steigen solche Unternehmen und Konzerne ausgerechnet in die Modebranche ein?
 

Arun Nevader: Fast jede Fashion Week sucht einen Hauptsponsoren. Ein Sponsor bringt Liquidität und große finanzielle Unterstützung für die Veranstaltung. 2007 wählte IMG, der globale Fashion Week Produzent, Mercedes-Benz als Hauptsponsor für die New York Fashion Week. M-B verpflichtete sich schnell, Fashion Weeks in Miami, Los Angeles, Berlin, Melbourne, Istanbul, Moskau und Bangalore zu sponsern. Vor Mercedes war es die Olympus New York Fashion Week. Mode spiegelt die neuesten Trends im Lifestyle auf gehobenem Niveau (High-End-Lifestyle) wider. High-End-Konsumprodukte steigern die Markenbekanntheit und präsentieren ihre Produktlinien Hunderttausenden von Menschen auf einer großen Fashion Week. New York zum Beispiel lockt zweimal im Jahr fast eine Viertelmillion Gäste zu den Shows. Angesichts der Allgegenwart von Social Media führt ein Unternehmen, das ein großes Sponsoring erhält, zu neuen Möglichkeiten der Marktdurchdringung durch virale Exposition, wenn Gäste mit Autos und anderen gesponsorten Produkten posieren und ihre Bilder auf Instagram, Facebook und anderswo posten. Verbraucher als Gäste können das Produktsortiment hautnah erleben. Wenn es sich um Speisen oder Getränke handelt, werden die Teilnehmer mit offenen Bars, Vorspeisen, kostenlosen Getränkekiosken und so weiter verwöhnt. Mit anderen Worten: Eine Fashion Week bietet die Gelegenheit, eine Produktlinie einem interessierten Publikum vorzustellen. Man kann sagen, dass diese Bemühungen im Einklang mit neuen Theorien und Praktiken für virales „Inbound“-Marketing stehen, bei dem potenzielle Kunden nicht durch kommerzielle Werbung unterbrochen, sondern in das Erlebnis des Produkts selbst aufgenommen werden. Es ist ein äußerst effektiver Weg, um Markenbekanntheit aufzubauen. Letztendlich ist Mode ein sich ständig veränderndes Verbrauchererlebnis. In seiner komprimiertesten Form auf einer Fashion Week bietet es eine ideale Atmosphäre und Gelegenheit für Marken, die sich das Sponsoring leisten können, um eine enorme Marketing- und Branding-Chance zu nutzen.

NEW YORK, 11. September 2017:  Während des „Art Hearts Fashion“ der New York Fashion Week (NYFW) in der „Angel Orensanz“ Stiftung liefen Models über den Laufsteg der Modenschau von Rocky Gathercole.
Rocky Gathercole, der weltweit bekannte und gefeierte philippinische Avantgarde-Designer, der Hollywood-Stars von Lady Gaga bis Jennifer Lopez einkleidete, starb am 3. März 2021 unerwartet im Alter von 54 Jahren.

Coco Chanel »„Mode ist nicht etwas, das nur in Kleidungsstücken existiert. Mode ist im Himmel, auf der Straße, Mode hat mit Ideen zu tun; mit der Art und Weise, wie wir leben – und mit dem, was geschieht.«

Ende Seite 1 von 2

© Çiğdem Gül – 06. April 2021 – Aus dem Amerikanischen Englisch übersetzt von © Çiğdem Gül

Um Seite 2 des Interviews zu lesen, bitte klicke hier:

Alle Fotografien wurden mit ausdrücklicher und freundlicher Genehmigung des renommierten US-Fotografen © Arun Nevader veröffentlicht.

Der Beitrag ARUN NEVADER: Interview mit dem international renommierten US-Fotografen – 1/2 erschien zuerst auf Intercultural Network For The Highly Gifted.

NEW YORK, 19. Februar 2015: Während der Mercedes-Benz Fashion Week Herbst 2015 und im Rahmen der Veranstaltung von Art Hearts Fashion Show – präsentiert vom „AIDS Healthcare Foundation Fashion“ im Theater im Lincoln Center läuft dieses Model für die Modedesignerin Hallie Sara über den Runway.

Arun Nevader

Interview mit dem international bekannten und

und außergewöhnlichen US-Fotografen

 
 
 
 
 
 


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Arun Nevader

lebt und arbeitet in Berkeley / Kalifornien

Ehemaliger Fotojournalist auf Krisen- und Kriegsgebieten in Mittelamerika
(El Salvador, Guatamala etc.)

Internationaler Modefotograf für Getty Images und WireImage
für Fashion Weeks, „Victoria´s Secret“ fashion shows, Runways, Filmfestvals, Presse- und Unterhaltungsbranche

Dozent an der Forschungsuniversität in Kalifornien

Çiğdem Gül

lebt und arbeitet in Wuppertal/Deutschland

Gründerin, Publizistin und Autorin des weltweiten “Intercultural Network For The Highly Gifted“ (INHG)

Diplom-Ökonomin, Change Management Consultant

Business Coach für Veränderungsprozesse im Unternehmen

Freie Journalistin für die Sprachkombination Türkisch, Deutsch, Englisch

Um Seite 1 von 2 des Interviews in deutscher Übersetzung zu lesen, bitte hier anklicken.

Hier: Seite 2 von 2 des Interviews: Aus dem Amerikanischen Englisch übersetzt von © Çiğdem Gül – 16. Juli 2023

30. April 2021

INTERVIEW – 2/2

Çiğdem Gül: Coco Chanel sagte einmal: „Mode ist nichts, was nur in der Kleidung existiert. Mode liegt in der Luft, auf der Straße. Mode hat etwas mit Ideen zu tun, mit der Art wie wir leben, mit dem, was passiert.“ Was bedeutet Mode für Dich? Welche Erkenntnisse hast Du nach über 20 Jahren Arbeit als Modefotograf in der Modewelt gewonnen?

Arun Nevader: Dies ist eine große Frage, deren Beantwortung ein Buch erfordern könnte. Wir haben so viele Möglichkeiten, uns dem zu nähern, was wir unter Mode verstehen. Ich werde eine auswählen, die am allgemeinsten wahr erscheint. Die Gesellschaft wird durch ein Netzwerk von Zeichen zusammengehalten und was diese Zeichen bedeuten – ihre Bedeutung und Auswirkungen auf unsere kollektive und individuelle Erfahrung und Vorstellungskraft. Zeichen und Signifikant prägen zusammen die Welt, die wir um uns herum sehen – alles. Auf diese Weise setzen Gesellschaften kollektive Identitäten für sich selbst ab – durch ihre einzigartigen Ausdrücke der Interpretation dessen, was Zeichen bedeuten. Mode ist einer der schönsten Ausdrücke dieser verbindlichen Beziehung. Aber Mode ist, wie Chanel feststellt, nicht eindimensional. Es ist nicht einfach so, wie wir den Körper anziehen. Mode geht vielmehr tiefer als Marker dafür, wie sich die Gesellschaft in einem fortwährenden Akt des Wandels zeigt. Auf diese Weise spiegelt Mode das Leben auf unserem Planeten als dynamische Kraft für Veränderung und Erneuerung wider – eine Funktion der natürlichen Ordnung von Leben, Tod und Wiedergeburt. Ich denke, das ist es, worauf Chanel abzielt. Mode, ein soziales Konstrukt, das es seit der Aufzeichnung der Menschheitsgeschichte gibt, spiegelt die rhythmischen Veränderungen wider, die Gesellschaften auf natürliche Weise erfahren. Aus diesem Grund fasziniert es mich unter so vielen anderen unendlich. Es ist niemals statisch. es hört nie auf, sich zu bewegen. Die Mode verändert sich ständig und erneuert in einem solchen Wandel ständig unser Interesse an uns selbst und an unserem Körper.

Hier muss ich mein tiefes Interesse an Modegeschichte von meiner Arbeit als Modefotograf für den letzten Teil Ihrer Frage trennen. Als Fotograf fühle ich mich mit der legendären Kleidungsdesignerin Madeleine Vionnet verbunden – wie Vionnet bin ich immer wieder fasziniert von der Vielfalt und Schönheit der weiblichen Form.

Çiğdem Gül: Die französische Designerin Madeleine Vionnet, die Königin der Couturiers, revolutionierte in den zwanziger und dreißiger Jahren nicht nur die Mode, sondern auch die feminine Körpersprache der Frau. Damalige Stars wie Marlene Dietrich trugen mit Vorliebe die eleganten Roben von Vionnet. Diana Vreeland, die ehemalige Chefredakteurin der amerikanischen Vogue, nannte Madeleine Vionnet als die wichtigste Modeschöpferin des 20. Jahrhunderts.

Arun Nevader: Oh, ja!

NEW YORK, 13. Juli 2002: Die US-amerikanische Schauspielerin Heather Locklear auf der „The FOX and The Grapes“ – Ein Benefiz-Essen zu Gunsten der Michael-J.-Fox-Stiftung für Parkinson-Forschung und Parkinson-Institut.

Arun Nevader: »Abgesehen davon, dass ich Zeuge der schieren Pracht einer von ´The Blonds´ produzierten Show geworden bin, kann ich Dir versichern, dass es für einen Laufsteg-Fotografen keine größere Herausforderung gibt, als die künstlichen Fingernägel der Models zu fotografieren, die über den Laufsteg fliegen. Nachdem ich die Technik gemeistert habe, kann ich sagen, dass es wahrscheinlich meine größte Errungenschaft als Fotograf ist, und zum Glück habe ich nicht allzu viele Konkurrenten für das Fotografieren von Fingernägeln.«

Arun Nevader: Ich kann die Anzahl der Modenschauen, die ich im Laufe der Jahre gedreht habe, nicht zählen. Bei Mode geht es mir nicht nur um Kleidung oder Model. Wenn ich ein Modell auf dem Laufsteg sehe, sehe ich mit jedem Blick eine neue Version der Weiblichkeit, und vor allem, um nie wieder gesehen zu werden. Die Show ist auf diese Weise ein Akt der reinen Vorstellungskraft. Das heißt, jedes Outfit, jeder Blick auf den Laufsteg projiziert eine symbolische Version der weiblichen Identität, die sich endlos in einem Akt der Metamorphose befindet. Haben Sie sich jemals gefragt, warum so viele Runway-Shows mit den Brautkleidern enden? Lassen wir die Geschlechterpolitik beiseite. Es bleibt jedoch wahr, dass in westlichen und östlichen Gesellschaften die Gesellschaft vorschreibt, dass das Streben nach menschlicher Erfüllung für Frauen in einer Ehe gipfeln soll. Daher haben wir die Geburtsstunde der Handlung der meisten Komödien. Denken Sie daran, wie alle Komödien von Shakespeare enden, um ein herausragendes Beispiel zu nennen.
Denken Sie an alle Enden von Jane Austin-Romanen, um einen anderen zu zitieren. Denken Sie an all die romantischen Komödien, die Sie auf dem Bildschirm gesehen haben. Wie enden all diese Erzählungen? Sie enden mit einer Hochzeit. Die Modenschau ist genau wie diese Theaterstücke, Romane und Filme. Aber die Modenschau ist mehr – sie wird zum lebendigen, einfallsreichen Raum, in dem wir mehrere weibliche Subjektivitäten erleben, die durch eine Vielzahl von Outfits gezeigt werden, die als Zeichen das Leben bezeichnen, das wir leben, um diesen ultimativen perfekten Moment zu erreichen – wenn die Frau Braut wird. Ich behaupte nicht, dass ich einer solchen Ansicht der menschlichen Erfüllung zustimme, weil ich es nicht tue. Ich bin nur ein visueller Reporter. Die Modenschau ist ein soziales Ritual, das die Bandbreite menschlicher visueller Schönheit zeigt und zu dem letzten Moment führt, in dem die Welt weiß wird und dann die Lichter dunkel werden. Für andere als Runway-Fotograf ist es eine unendlich bemerkenswerte Erfahrung und ein Privileg, für andere diesen eindrucksvollen und schönen, einfallsreichen Raum zu dokumentieren.

NEW YORK – NEW YORK CITY, 07. Februar 2006: Naomi Campbell trägt Heatherette-Mode für die Kollektion Herbst 2006 während der Olympus Modewoche, Herbst 2006 – Heatherette – Laufsteg im Bryant Park.

Çiğdem Gül: Wenn Du in einer Modewoche 12 oder mehr Fashion Shows fotografierst: Du schaffst es problemlos allein an einem einzigen Tag sogar 20.000 Fotos zu machen. Wie schafft man es, beim Fotografieren die Atmosphäre des Augenblicks bestmöglich einzufangen?

Arun Nevader: Wenn ich den Runway fotografiere, bin ich weniger mit der Atmosphäre des Augenblicks beschäftigt, sondern denke vielmehr über die nicht ausreichende bzw. begrenzte Bühnenbeleuchtung nach. Ja, ich kann 20.000 Bilder an einem einzigen Tag mit einem Dutzend oder mehr Shows fotografieren – das ist total anstrengend. Ich komme auf diese Zahl, weil ich leicht zwischen 50 und 100 Bilder für einen einzigen Label-Look in einer Show aufnehmen kann. Wenn man also 30 Label-Looks hat, könnten das leicht 2.500 bis 3.000 Bilder für diese Show werden. Multipliziert man das mit 10 oder mehr, dann ergibt das eine große Summe. Warum so viele Aufnahmen pro Look? Weil mit zunehmender Anzahl an fotografierten Bildern pro Label-Look die Wahrscheinlichkeit größer ist, mit der Kamera etwas Außergewöhnliches einzufangen. Dadurch erreicht man als Fotograf etwas, was andere Fotografen, die weniger Fotos vom selben Look geschossen haben, entgeht. Man muss auf dem Laufsteg den gesamten Look des Models abfotografieren, von Anfang bis Ende des Catwalks. Die Fotokameras sind mittlerweile so schnell, dass es möglich ist, mit 12 Bildern pro Sekunde zu fotografieren und trotzdem mit 100, ja sogar 200 Bildern pro Label-Look das gesamte Outfit abzufotografieren, wenn sich der Aufwand lohnt. Zum Glück habe ich Redakteure! Ehrlich gesagt habe ich während der Fashion Week oft nicht die Zeit und Gelegenheit, alle meine Fotografien zu sichten – die Redakteure sichten alle Shooting-Fotos und treffen die Auswahl für das, was auf der US-amerikanische Bildagentur Getty Images veröffentlicht wird. Zusätzlich zu den Shows muss ich auch den Backstage (Anm. d. Red.: Back of House; der Bereich hinter der Bühne und dem Laufsteg, Runway etc.) und Front of House (Anm. d. Red.: die Bereiche, die für das Publikum zugänglich sind) abfotografieren. Wenn ich die Atmosphäre einfangen und fotografiere möchte, so finde ich diese hinter den Kulissen im Backstage. Ich sollte sagen, dass das Bühnenbild der Show manchmal so großartig ist, dass ich es zusammen mit dem Model festhalten muss. Aber alles in allem konzentriere ich mich zuerst auf das Model und dann auf alles andere, im Gegensatz zu dem, was mir mein Chef vor 20 Jahren beigebracht hat. Jeff Vespa, einer der Gründungsfotografen von WireImage, sagte mir einmal: „Wenn Sie einen Prominenten der A-Liste in der ersten Reihe sehen, vergessen Sie die Show. Gehen Sie auf die andere Seite des Laufstegs und fotografieren Sie die Berühmtheit auf ihrem Sitz in der ersten Reihe, während Sie die Show mit Ihrem langen Objektiv verfolgen. Ich habe gesehen, wie Vespa das einmal mit Britney Spears gemacht hat. Ich mache ihm keine Vorwürfe; sein Foto lief überall. Aber ich fotografiere nicht auf dem Mode-Laufsteg für die Anwesenheit von Prominenten, es sei denn, ich werde beauftragt, die erste Reihe zu fotografieren. Ich bin für Fashion und Models da – meine persönliche Verbindung zu diesen unwiederbringlichen Schönheitsmomenten. Vespa wäre definitiv sauer auf mich, weil ich dieses Promi-Foto verpasst habe!
 
 
 

NEW YORK – NEW YORK CITY, 09. November 2011: Der US-amerikanischer Rapper, Sänger, Musikproduzent und Modedesigner Kanye West tritt auf während der Victoria’s Secret Fashion Show der US- Nobel-Dessous-Label `Victoria’s Secret´ im Jahr 2021 in der Lexington Avenue Armory.

Die einst schillernde US-Modemarke „Victoria’s Secret“ war von 1995 bis 2019  jedes Jahr ein riesiges Show-Spektakel mit Topmodels, Musik-Superstars und Hollywood-Größen in der Front Row gewesen – und sorgte weltweit für beeindruckende Einschaltquoten im TV und hohe Verkaufszahlen. Victoria’s Secret wurde im Jahre 1977 von Roy Raymond in San Francisco, Kalifornien gegründet.

NEW YORK – NEW YORK CITY, 09. November 2011: Das brasilianische Model Adriana Lima läuft über den Laufsteg bei der Finale des Victoria’s Secret Fashion Shows in der Lexington Avenue Armory.

NEW YORK – NEW YORK CITY, 09. November 2011: Das brasilianische Model Adriana Lima läuft über den Laufsteg bei der Finale des Victoria’s Secret Fashion Shows in der Lexington Avenue Armory.

NEW YORK – NEW YORK CITY, 09. November 2011: Das australische Model und studierte Ernährungswissenschaftlerin Miranda Kerr läuft im 2,5-Millionen-Dollar-BH über den Runway während der Victoria´s Secret Fashion Show in der Lexington Avenue Armory.

NEW YORK – NEW YORK CITY, 09. November 2011: Das australische Model und studierte Ernährungswissenschaftlerin Miranda Kerr läuft im 2,5-Millionen-Dollar-BH über den Runway während der Victoria´s Secret Fashion Show in der Lexington Avenue Armory.

FLORIDA – MIAMI BEACH – 15. November 2008: Zur Wiedereröffnung des Fontainebleau Hotels in Miami Beach, das für eine Milliarde Dollar renoviert wurde, findet 2008 die Show der Superlative statt. Das deutsche Model Heidi Klum hat bei der Eröffnungsfeier eine Schlüsselrolle, sie darf zusammen mit dem Besitzer symbolisch das Band zerschneiden.

FLORIDA – MIAMI BEACH – 15. November 2008: Heidi Klum läuft über den Laufsteg für die Victoria´s Secret Fashion Show Fontainebleau Hotel.

NEW YORK – NEW YORK CITY, 09. November 2011: Das deutsche Model und Schauspielerin Antonia „Toni“ Garn läuft über den Runway während der Victoria´s Secret Fashion Show in der Lexington Avenue Armory.

Çiğdem Gül: Ich weiß, dass Du einige Male die Modenschau von Victoria’s Secret fotografiert hast. Wie war das für Dich?

Arun Nevader: Auf diese Frage könnte ich ellenlang antworten, aber ich werde versuchen, die Antwort übersichtlich und simpel zu halten.

Die jährlich stattfindende Modenschau der US-amerikanischen Dessous-Label Victoria’s Secret habe ich fünf Jahre lang begleitet und fotografiert. In den ersten zwei Jahren fotografierte ich für meine Bild-Agentur „WireImage“, später hatte ich dann aber die Ehre, für Herrn Thomas Concordia, dem Hausfotografen von Victoria’s Secret Fashion Show zu fotografieren. Also arbeitete ich für Tom als einer von drei oder vier Hausfotografen in seinem Team mit uneingeschränktem Zugang hinter der Bühne und auf dem Laufsteg. Ich habe Victoria’s Secret Fashion Shows glücklicherweise in ihren weltweit goldenen Jahre fotografiert. Nun haben sich die Dinge bei Victoria’s Secret Fashion Shows geändert. Die Show begann damit, dass es um das Dessous-Label von Victoria’s Secret handelte mit atemberaubenden Models wie Giselle Bündchen und Marisa Miller. Verstehe mich bitte nicht falsch – unter anderem Adriana, Alessandra und Candice sind perfekt durchtrainierte Models. Aber im Jahr 2010 drehte sich bei der Victoria’s Secret Fashion Show weit weniger um das Dessous-Label selbst als um die Top- Runway- Models dieses bestimmten Jahres. Es war tatsächlich eine Show über Models und nicht über Dessous. Die   Dessous waren einfach „da“, um die Models zu schmücken. Das ist in Ordnung, aber es wurde zu einem Image-Problem für Victoria’s Secret. Ich werde keine Namen nennen, aber ich kann mir eine Reihe von 25 Top-Models vorstellen, die niemals in dieser Show hätten laufen sollen. Bei Lingerie-Models geht es nicht darum, was sie tragen; sie sind über ihr Body zur Schau gestellt. Bei den anderen Models dreht sich alles um das, was sie tragen und um ihr Gesicht. Ihr Körper ist auf dem Laufsteg normalerweise nicht für das Tragen von Lingerie gedacht. Victoria’s Secret verlor seine Mission aus den Augen, die eigene Dessous-Kollektion wurde schließlich nur ein Unterhaltungsereignis im Dezember. Es ist also keine Überraschung, dass sie ihre jährliche Show nicht mehr produziert.

Jede Victoria’s Secret Fashion Show war anders und spektakulär. Nur eine Handvoll Pressevertreter sind für die Show zugelassen und das war’s. Die Sicherheitsvorkehrungen waren strenger als im Weißen Haus. Wir fotografierten die Show einen Monat vor ihrer Fernsehausstrahlung Anfang Dezember eines Kalenderjahres. Der Shooting-Tag war ein langer und schwieriger Tag – er dauerte mindestens 14 Stunden. Die Show wurde zweimal durchgeführt, und wir durften sie zweimal fotografieren, oft aus einer etwas anderen Perspektive, die großartig war. Sie drehten die Show zweimal und ließen die Models folglich zweimal laufen, um Vorkehrungen zu treffen, falls ein Model auf dem Laufsteg stolpern sollte. Sie könnten den anderen Take bearbeiten, um das auszugleichen. Jedes Model hatte für seinen Look den Laufsteg für sich, die Unterhaltungsdarbietung konnte jedoch auch mit ihr auf der Bühne stattfinden – wie Justin Timberlake oder Katy Perry. Der Produktionswert und das Bühnenbild waren immer auf dem neuesten Stand der Theaterbühnengestaltung – wunderschön, atemberaubend und äußerst theatralisch.

Aus der Sicht eines Fotografen war das Fotografieren der Show immer eine große Herausforderung, insbesondere in den frühen Jahren der digitalen Fotografie. Die Show wurde im Fernsehen übertragen, daher auch aus der Perspektive der Fernsehkameras produziert und nicht aus der Perspektive eines Fotografen. Die Fernsehkameras verfügen über Linsenelemente, die bei schlechten Lichtverhältnissen ihre beste Leistung erbringen. Das schlechtere Licht sorgte für großartiges Fernsehen, aber in früheren Jahren war es für uns Fotografen schrecklich und oft frustrierend. Bei sich bewegenden Motiven (Models) ist man als Fotograf auf einen unteren Wert für die Verschlusszeit festgelegt, um Bewegungsunschärfe zu vermeiden. Wenn das Motiv nicht ausreichend beleuchtet ist und die Verschlusszeit zu niedrig eingestellt ist, um das schwache Licht auszugleichen, ist es unmöglich, die Bewegung in der Aufnahme festzuhalten. Und die Fotografie ist ruiniert. Früher konnten die Digitalkameras eine bestimmte Lichtempfindlichkeit nicht überschreiten, die solche schlechten Lichtverhältnisse ausgleichen konnte. So hörte man die Fotografen in unserem abgesteckten Bereich von ihren Plätzen schreien „Wo ist das Licht!?“ Die Standbilder sahen immer dunkel aus. Ich habe dieses Problem umgangen, indem ich mit einem Nikon 200 mm f2.0-Objektiv fotografiert habe, das auch bei schlechten Lichtverhältnissen einwandfrei funktioniert.

KALIFORNIEN – PALM DESERT, EL PASEO, 19. März 2014: Tia Shipman – Reality-Star, Schauspielerin, Model und zertifizierte Yoga-Lehrerin – läuft über den Runway des Star-Designers Michael Costello Couture-Modenshow für die Kollektion Herbst 2014 während des Project Runway auf der El Paseo Modewoche.

Yves Saint Laurent: »Das schönste Kleidungsstück für eine Frau sind die Arme des Mannes, den sie liebt. Aber für alle diejenigen, die dieses Glück nicht haben, bin ich da.«

Çiğdem Gül: Als Fotograf hast Du in den letzten 20 Jahren Schönheiten wie Sharon Stone, Janet Jackson, Pamela Anderson, Heather Locklear, Adriana Lima, Miranda Kerr, Heidi Klum, Rosie Huntington-Whiteley, Thia Shipman, Doutzen Kros, Penelope Cruz und Karolina Kurkova fotografiert. Was bedeutet „Beauty“ für Dich persönlich?

Arun Nevader: Das ist die große Frage, Çiğdem, zumindest für mich. Es ist anstrengend, eine komplette Modewoche zu fotografieren, was bedeutet, dass ich etwa 80 Shows, Backstages, Partys und andere besondere Ereignisse fotografiere. Es kann auch brutal, nervig, verstörend, enttäuschend und unversöhnlich sein, wenn ich ich den Shot vermasselt habe (was auch passieren kann). Aber wenn die ZuschauerInnen-Menge verstummt, die Lichter ausgehen und die Lichter des Laufstegs angehen, passiert mit jedem Laufsteg-Fotografen etwas. Die Welt bleibt stehen, wir hören auf, den Schmerz in unseren Gliedern zu spüren, unsere Augen weiten sich und wir verbringen die nächsten 17 Minuten damit, durch unsere Linse eine neue Welt wahrzunehmen – die wir nie wieder sehen werden. Ich liebe die vergänglichen und vorübergehenden Schönheitsblitze, die man nur einmal und nie wieder sieht. Das Fotografieren von Frauen auf dem Laufsteg ist für mich ein unvergleichliches Privileg – weniger wegen dem, was ich als Schönheit betrachte, sondern wegen dem, was ich in jedem auf dem Laufsteg gezeigten Look als eine endlose Neuinterpretation der weiblichen Subjektivität erkenne. Frauen sind in dieser Hinsicht viel interessanter als Männer – jeder Laufsteg-Look wird zu einer neuen Version der Weiblichkeit, die in einem idealisierten, festgehaltenen Moment zur Schau gestellt wird. Das Einfangen eines einzigartigen Moments der Schönheit ist die glückliche Belohnung. Aber die wahre Erfüllung liegt darin, die Vielfältigkeit der Identität zu verstehen, die der Laufsteg für einen Moment zum Leben erweckt. Manchmal kann man bei den Herrenshows diesen Ausgleich finden, aber bei mir kommt es weitaus seltener vor. Dies ist eine rein subjektive Meinung. Ich bin mir sicher, dass es anderen Fotografen ganz anders geht.

Zum Thema Schönheit: Menschliche Schönheit ist ausdrucksstark und verbindend pur. Sie verbindet Subjekt mit Subjekt, nicht Subjekt mit Objekt, auf eine Weise, die das Selbst erhebt und nährt. Es ist ein Moment, den wir innerlich durch das erleben, was wir vor uns sehen. Ich verbinde mich mit Ausdrücken, die ich glücklich und privilegiert sehe, besonders wenn ich eine Kamera habe. Fotografie ist eine Möglichkeit, diese Verbindung mit anderen zu teilen. Schönheit ist transformativ als der selbst gezeugte Ausdruck und die Anerkennung dessen, wer wir füreinander sind. Ich glaube, dass es fehl am Platz ist, Schönheit als objektspezifisch, materiell oder gar als Seinszustand zu betrachten, als wollte man sagen: „Das ist schön.“ Ja, das mag wahr sein, aber in mancher Hinsicht ist es nebensächlich. Wir verbinden uns mit einem Ort in uns selbst, nicht mit der Außenwelt. Schönheit ist kinetisch, nicht statisch – sie ist etwas, das passiert – wir spüren, wie sie uns überkommt. Es ist eine Wärme, die im Inneren leuchtet und durch die Gabe unserer Sinne sichtbar gemacht wird – für mich ist Schönheit ein inneres Licht, das durch das Sehen sichtbar wird. Es ist das, was uns weltweit, über Ozeane und Zeiten hinweg, sowohl an unsere Geschichte als auch an unsere Zukunft bindet. Wir alle spüren es oder haben die Fähigkeit, es zu fühlen. Jedes von Dir erwähnte Model hat seinen ganz eigenen Look und seine ganz eigene „Schönheit“. Diese Models sind Meister ihres Fachs und nicht einfach nur schöne Frauen. Wenn sie den Brenner einschalten, spüren wir diese kinetische Verbindung in uns auf eine Weise, die die menschliche Erfahrung bereichert.

Es gibt auch andere Wege, Schönheit zu definieren und darüber zu sprechen, aber ich spreche zu Dir als Laufsteg-Fotograf, der daran arbeitet, einen Label-Look einzufangen – Schönheit zu finden ist ein berufliches Risiko, das mit meinem Job einhergeht. Ich gebe zu, dass ich bei einigen Shows geweint habe, bei denen die Wirkung eines Label-Looks bei einem Model einfach überwältigend war.

NEW YORK – New York Fashion Week, 2018: Anna Wintour. Sie gilt als eine der wichtigsten und einflussreichsten Frauen in der Mode- und Medienbranche. Die britisch-amerikanische Journalistin ist seit 1988 die Chefredakteurin der US-amerikanischen Ausgabe der Vogue. Anna Wintour setzt Trends und fördert neue Designer. Sie entscheidet, welche Designer in der Vogue erscheinen. The Guardian nannte sie „Unofficial mayoress of New York City“ – also „die inoffizielle Bürgermeisterin von New York“. Die britische Journalistin hat großen Anteil am Erfolg von Designern wie John Galliano (Christian Dior) oder Michael Kors.

Anna Wintour: »Wenn Sie eine großartige Modefotografie ohne Kontext betrachten, wird sie Ihnen genauso viel über das erzählen, was in der Welt vor sich geht, wie eine Schlagzeile in der New York Times.«

Çiğdem Gül: Was sind die Highlights in Deiner Karriere als Modefotograf? Zum Beispiel das aufregendste Fotoshooting, der wichtigste Auftrag usw.? Mit welcher Berühmtheit hattest Du als Fotograf Deine außergewöhnlichste Begegnung? Bitte erzähle mir darüber.

Arun Nevader: Die Highlights meiner Karriere – die Liste ist sehr lang; Ich hatte in vielerlei Hinsicht großes Glück. Ehrlich gesagt, gibt es so viele außergewöhnliche Fotografen, die nie eine Chance bekommen. Leider ist der Maßstab für den Erfolg nicht das Talent, sondern der Zugang, der eher eine Frage von Glück und Chancen ist. Aber wenn ich ein paar großartige Momente auswählen müsste, dann könntest Du dazu alle Victoria’s Secret Fashion Shows zählen, die unvergesslichen Momente mit legendären Berühmtheiten, die 10 Jahre lang über das Telluride Film Festival berichteten – Peter O’Toole, Mickey Rooney, Claudia Cardinale, George Clooney, Jean Simmons, Werner Herzog, Laura Linney, Sean Penn, Daniel Day-Lewis, Ralph Fiennes, Penelope Cruz – die Liste lässt sich fortsetzen. Berichterstattung über das Sundance Film Festival, CineVegas, das San Francisco International Film Festival, über Menschen wie Isabella Rossellini, Ashton Kutcher, Mena Suvari und andere wie Sharon Stone, Warren Beatty und Kevin Costner. Es ist schwer zu wählen. Bei großartigen Fotoaufträgen: Einen ganzen Tag lang hinter den Kulissen des Cirque Du Soleil-Auftritts von Varekai mit der Schauspielerin Bai Ling zu fotografieren, war erstaunlich. Ich habe Hunderte von Backstage-Aufnahmen auf dem Fashion Week gemacht, aber die ersten Label-Looks für Oscar De La Renta vor einigen Jahren zu fotografieren, war definitiv mein Bestes, zusammen mit der Barbie-Show auf der New York Fashion Week 2009. Für Carolina Herrera war es kein Problem, in der ersten Reihe und hinter der Bühne zu fotografieren macht die Liste. Vor einigen Jahren maßgeblich an der Gründung der Island Fashion Week beteiligt zu sein, war eine völlig einzigartige Erfahrung, die ich vier Saisons lang fotografiert habe. Isländische Models sind einzigartig unter den Frauen der Welt und isländische Landschaften wirken wie von einem anderen Planeten. In den letzten 6 Jahren war ich Hausfotograf für „Art Hearts Fashion„, das etwa 150 Shows pro Jahr produziert, hauptsächlich von aufstrebenden Designern.

Zuletzt habe ich ein Team von Getty Images- Fotografen geleitet, um über die Jordanien Modewoche in Amman zu berichten, ein außergewöhnliches Ereignis, an dem ich hoffentlich wieder teilnehmen werde, wenn sie wieder stattfindet. Während ich vor ein paar Jahren im Rahmen der „Tokyo Fashion Week“ nachts auf den Straßen des Shibuya-Viertels in Tokio das schöne japanische Model Sumire Hayashi fotografierte, habe ich mich in Japan verliebt. Die Backstage-Auftritte von Betsey Johnson und Matthew Williamson waren unvergesslich, insbesondere weil um 10 Uhr morgens für alle endlos Champagner in Strömen floss. Es gibt zu viele Modenschauen, um sie alle aufzuzählen, aber die von Chado Ralph Rucci fallen mir sogar auch 15 Jahre später noch ein. Vor zwei Jahren flog ich von meinem Wohnort in Berkeley/Kalifornien nach New York, um eine 8(!)-minütige Modenschau für die sensationelle vietnamesische Designerin Phuong My zu fotografieren – ihre erste Brautkollektion. Für ihre 21 Label-Looks ließ sie außer mir nur drei Fotografen zu. Es war vielleicht die schönste Show, die ich je fotografiert habe, abgesehen von den beiden anderen Phuong My- Shows, die ich fotografiert habe – eine in Vancouver, Kanada und die andere in New York. Zuletzt muss ich noch die Laufstegschuhe für Christian Siriano und die Fingernägel für Creative Nail Design zählen, das Nägel-Design für die Shows „The Blonds“ und „Libertine“ in New York entwirft. Abgesehen davon, dass ich die pure Pracht einer von The Blonds produzierten Show miterlebt habe, kann ich Dir versichern, dass es für einen Laufstegfotografen keine größere Herausforderung gibt, als Fingernägel von Models zu fotografieren, die über den Laufsteg fliegen. Nachdem ich die Technik beherrsche, kann ich sagen, dass es wahrscheinlich meine beste Leistung als Fotograf ist, und glücklicherweise habe ich nicht allzu viele Konkurrenten, wenn es um das Fotografieren von Fingernägeln geht. Die Liste ist lang, Çiğdem, mit vielen Geschichten aus solchen Ereignisse und Gelegenheiten.

NEW YORK – NEW YORK CITY; 14. September 2015: Das Model läuft über den Runway für Threeasfour Frühlingskollektion 2016 auf Pier 59.

CALIFORNIA – BERKELEY, 2. März 2006: Jordan Robert Farmar ist ein ehemaliger israelisch-amerikanischer Basketballspieler, der in der National Basketball Association (NBA) spielte. In der High School wurde er 2003/04 zum High School-Spieler des Jahres der Los Angeles Times ernannt. Er spielte College-Basketball für die UCLA Bruins und war 2004–05 der Rivals.com National Freshman of the Year.

Arun Nevader »Ich bewundere die vielseitige Bandbreite des Intercultural Network For The Highly Gifted – sowohl in Bezug auf die von Dir und Deinem Team erfassten Themen als auch in Bezug auf die sorgfältig thematisierten menschlichen Profile. Für mich steht der Begriff `begabt´ vielmehr im Einklang mit meinem eigenen Streben nach Schönheit im Sinne von einer inneren Verbindung zu mir selbst und weniger die äußere Wahrnehmung einer Person oder eines Objektes.«

LOS ANGELES, 30. Oktober 2003: Smashbox Los Angeles Fashion Week – Susan Holmes Pre-Show Auftritt von Guns and Roses. Scott Weiland mit Duff McKagan, Slash und Matt Sorum.

Çiğdem Gül: Du bist derzeit an der kalifornischen Universität Berkeley Extension als Dozent für Informationsdesign tätig. Bitte erzähle mir mehr darüber.

Arun Nevader: Im Jahr 1999 verließ ich das Ph.D.- Programm in Berkeley, wo ich einen Abschluss in britischer Literatur des späten 18. Jahrhunderts machte. Ich erhielt ein Lehrangebot als Vollzeitdozent im Programm für technische Kommunikation von der Ingenieurschule der University of California, Berkeley, einer öffentlichen Forschungsuniversität in Berkeley/Kalifornien. Dort habe ich ältere Ingenieurstudenten unterrichtet und über einen Zeitraum von 10 Jahren fast 2.000 Kursprojekte in der Entwicklung neuer Technologien geleitet. Ich habe mich 2010 von Berkeley zurückgezogen, um einen Job als Systemingenieur bei einem Food-Truck-Unternehmen anzunehmen, das Subunternehmerarbeiten für ein neues Starbucks-Getränkewagenunternehmen erledigte. Wir haben die Markteinführung des Trucks (LKW) konzipiert und dies auf mehreren Universitätsgelände in ganz Amerika überwacht. Es war ein faszinierender und lohnender Job, der aber oft mit meiner Arbeit als Fotograf kollidierte, was ich natürlich nicht lange annehmen konnte. Ich verließ diese Position und kehrte 2015 an die Universität zurück, wo ich einen weiteren Lehrauftrag für technische Kommunikation an der UC Berkeley Extension annahm. Ich habe drei Jahre damit verbracht, drei neue Lehrveranstaltungen für das neue Online-Programm bei Extension zu schreiben, und jetzt unterrichte ich diese. Zuletzt habe ich unsere neue Lehrveranstaltung in Informationsdesign unterrichtet, einem Teilbereich des Grafikdesigns. In diesem Kurs bringe ich den Studenten bei, die Welt mit neuen Augen zu sehen. Ich bringe ihnen bei, „durch“ die „Dinge“ zu sehen, die wir in einem Design identifizieren können, und in die kompositorischen Elemente, aus denen diese Dinge bestehen — Farbe, Raum, Form, Linie, Textur und Größe. Wir untersuchen die archetypischen Designprinzipien und, wie Prinzipien auf diese Elemente durch eine oder mehrere visuelle Designtheorien wie Gestalt oder Semiotik einwirken, um ein fertiges Designprodukt zu erhalten. Die meisten meiner Studenten sind professionelle technische Redakteure, die sich in visuellem Design weiterbilden möchten. Es ist eine äußerst lohnende Lehrveranstaltung sowohl für die Schüler als auch für mich — denn alles dreht sich im Wesentlichen um Kunst. Was kann man daran nicht mögen? Mein Leben besteht also aus einer Balance zwischen Unterrichten und Fotografieren. Die Lehrveranstaltung findet das ganze Jahr über statt, und das Fotografieren nimmt zumindest vor der Pandemie etwa 12 Wochen im Jahr in Anspruch. Glücklicherweise ermöglicht mir der Online-Unterricht, die Lehrveranstaltung von überall auf der Welt aus durchzuführen. Ich habe Online-Lehrveranstaltungen in New York, Miami, Los Angeles, Vancouver, Tokio, Amman, Jordanien und anderswo abgehalten. Es ist schwer zu sagen, ob die gesamte Modenschau-Branche [wegen der gegenwärtigen globalen Covid-19-Pandemie] wieder so wird, wie wir sie kennen. Hoffentlich. Ich bin bereit, zurückzukehren, obwohl ich kein Problem damit habe, mich einfach in meinem Haus in North Berkeley zurückzuziehen, umgeben von Gärten, Bäumen und wunderschönen sanften Hügeln. Es ist sehr mediterran, wo ich lebe.

KALIFORNIEN – OAKLAND, 25. Februar 2015: Ausstellungseröffnung des US-Glaskünstlers David Ruth. David Ruth ist einer der ganz wenigen Künstler, die Schmelz- und Gussglas im architektonischen Maßstab herstellen. Ein Schlüssel zu seinen Leistungen im Glasbereich ist ein technisches Bewusstsein für den Gieß- und Schmelzprozess, das nur wenige erreichen können, das Ergebnis von Jahrzehnten von Studium und Studioerfahrung in der Kunst. Sein Glasatelier produziert heute ein bemerkenswertes Werk mit gegossenen Skulpturen und verschmolzenen Paneelen aus beispiellose Größe und Dicke und ein System großflächiger Polituren, das die komplexen Bilder im Inneren enthüllt.

Çiğdem Gül: Du arbeitest derzeit für einen zeitgenössischen spanischen Bildhauer und Künstler in Europa. Wenn die Lage in der Pandemie es erlaubt, wirst Du nach Europa reisen, um diese Werke in Europa zu fotografieren. Bitte erzähle mir mehr darüber.

Arun Nevader: Ich arbeite seit etwa drei Jahren in New York mit dem spanischen Bildhauer und Maler Angel Orensanz. Bisher habe ich etwa 1.000 Gemälde und Skulpturen in seinem Atelier fotografiert, die sich in den beiden obersten Etagen einer historischen neugotischen Kathedrale befinden, die er Anfang der 1980er Jahre in der Lower East Side von Manhattan gekauft hat. Heute ist es ein Aufführungs- und Veranstaltungsort, der bereits legendäre Modedesigner wie Alexander McQueen beherbergte. Orensanz arbeitet seit mehr als 50 Jahren an Kunstwerken im öffentlichen Raum in ganz Europa, mit großen Installationen in Spanien und Frankreich. Ja, ich werde hoffentlich 2022 nach Europa reisen, um die europäischen Stücke zu fotografieren. Anschließend erstellen wir ein Werkverzeichnis seines Werkes. Es soll ein spannender und wertvoller Beitrag zur Kunstwelt sein. Wenn man sein Werk betrachtet, könnte man sich das Leben der Seelen in einer Landschaft aus der Göttlichen Komödie vorstellen — Elemente von Blake, Goya und Turner, verwoben mit dynamischen Farben und Formbewegungen. Orensanz präsentiert eine einzigartige Bildsprache mit Bildern, die eine fesselnde und verträumte Energie menschlicher Interaktion zeigen — gleichzeitig transzendent und doch kollektiv und sozial, oft erhaben, suchend und auf eine höhere Ordnung hinweisend.

Vor etwa 20 Jahren verbrachte ich zwei Wochen in Köln/Deutschland und besuchte die jährliche Drupa-Konferenz, um mich über Print-on-Demand-Technologien für meine akademische Arbeit zu informieren. Ich wohnte in der Altstadt von Köln, direkt am Fluss, und kehrte jeden Tag mit dem Zug von Düsseldorf zurück, um bei „Hoffmans“ zu Abend zu essen – zweifellos eines der besten Restaurants, die ich kenne. Aber jenseits des Charmes der alten Welt und der Kopfsteinpflasterstraßen, die zur Donau führen, habe ich immer die außergewöhnliche Geistesgeschichte Deutschlands bewundert. Ich möchte unbedingt bald wiederkommen, um die Mercedes Benz Berlin Fashion Week zu fotografieren – wenn wir die Welt wieder auf den Kopf stellen können.

Ein letztes Wort zu meiner Fotografie: Ich habe mich immer als Pressefotografen gesehen, der über Unterhaltungsnachrichten berichtet. Modeveranstaltungen sind eine Dimension dieses reichen Feldes. Ich scheue mich vor Etiketten wie „Kunst“. Ich habe meine Arbeit nie als schöne Kunst gesehen, sondern als präzise Berichterstattung. Ja, ich glaube, dass ein Bild über seine Absicht hinausgehen kann, Qualitäten zu offenbaren, die wir in der Kunst sehen. Aber es ist die Ausnahme und unbeabsichtigt. Mir gefällt die Vorstellung sehr gut, dass meine Fotos wie die Modenschauen selbst sind – sie erscheinen in Zeitungen und Zeitschriften und sind dann wieder weg. Es gibt Trost und Verständnis, wenn man erkennt, dass Schönheit und ihre Mimesis in der Kunst vergängliche und momentane Phänomene sind, oder wie Wordsworth im elften Buch des Präludiums sagen würde, „Zeitpunkte“.

Çiğdem Gül: Lieber Arun, vielen Dank für das Interview. Durch unser Gespräch habe ich von Dir viel über die Hintergründe in der internationalen Modewelt erfahren. Ich bin sehr beeindruckt von Deiner Vielfalt, Deinen Begabungen, Deiner Sensibilität und Deinem Tiefgang. Deutschlands führende Fashion Week zieht von Berlin nach Frankfurt. Ich wünsche mir, dass Du irgendwann nach Frankfurt am Main kommst und hier in der Fashion Week die Shows fotografierst.

NEW YORK – NEW YORK CITY, 11. September 2010:
Zur Einführung der Rebecca Kudryavsky Frühjahrskollektion 2011 im Großen Ballsaal des Plaza Hotels treten Persönlichkeiten wie George Wayne, der Schauspieler Chris Noth und das Model Paula Devicqu auf.

Interview Seite 2 von 2 vom 30. April 2021. Um das Interview in der Originalsprache zu lesen, bitte hier anklicken.
Aus dem Amerikanischen Englisch übersetzt von © Çiğdem Gül – 16. Juli 2023

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Alle Fotografien wurden mit freundlicher Genehmigung des international renommierten Presse- und Modefotografen © Arun Nevader (Berkeley/Kalifornien) veröffentlicht.
 
 
 
 
 
 

Der Beitrag ARUN NEVADER: Interview mit dem international renommierten US-Fotografen – 2/2 erschien zuerst auf Intercultural Network For The Highly Gifted.

PALM DESERT, CA – MARCH 19: Tia Shipman walks the runway for the Michael Costello Couture fashion show fall 2014 during Project Runway at El Paseo Fashion Week 2014 on March 19, 2014 in Palm Desert, California. (Photo © Courtesy of Arun Nevader/California/WireImage)

Hochsensibel

in zwei konträren Kulturen

Hochsensible Persönlichkeiten, sogenannte HSP´s (= Highly Sensitive Persons) unterscheiden sich vom Großteil der Bevölkerung darin, dass sie sich durch eine erhöhte Empfänglichkeit für Reize auszeichnen. HSP´s “nehmen Geräusche, Gerüche, Stimmungen oder subtile Veränderungen in ihrer Umwelt sehr viel intensiver auf, als die meisten ihrer Mitmenschen. Auf der einen Seite erleben Hochsensible die Welt differenzierter und intensiver, weil ihnen im Gehirn (= ausgestattet mit geringer Filterfunktion) mehr Informationen zur Verfügung stehen. Auf der anderen Seite führt die Überfülle an bewusst wahrgenommenen Sinnesreizen schnell zur Überlastung von Körper und Seele.

Eigenschaften und Potenziale einer hochsensiblen Person:

# das Gefühl, anders und fremd zu sein

# reicher, wacher, lebendiger Geist

# ganzheitliches und vernetztes Denken

# breitgefächertes Neugier und Interessengebiete

# Wissensdurst

# tiefe und intensive Gefühle, Reaktionen, Reflexion, Nachdenken und Nachempfinden

# sehr hohes Einfühlungsvermögen und Mitgefühl 

# feinsinniges Gespür für die subtilsten Spannungen und Schwierigkeiten in der Entstehungsphase

# hohe Qualitäten im Umgang mit Extremsituationen

# die Leidenschaft zu Worten, Texten, Bildern, Musik und Stimmungen

# Fähigkeit, mitzureißen, zu überwältigen, zu interessieren

# Vorliebe für detailgenaues und perfektionistisches Arbeiten

# sehr gewissenhaftes und verantwortungsvolles Handeln und Arbeiten

# stets Suche nach dem Sinn im Leben und im Handeln

# bildhafte Sprachgewohnheiten

# Sinn für “Schönheit” und Ästhetik

# vielfältige Talente

# sehr hohe Kreativität, künstlerische Begabung, Ideenreichtum

# einen sehr ausgeprägten Gerechtigkeitssinn

# hohe Fähigkeit Mitmenschen zu motivieren

# Vertrauen schenken können, Vertrauen geschenkt bekommen

# häufiges Bedürfnis nach Rückzug

Die Hochsensibilität ist keine Krankheit, sondern eine geerbte Begabung.

Laut des, meines Erachtens serösen, Online-Tests „Zart besaitet“ beginnt die Hochsensibilität bei mind. 163 Punkten von 300 Punkten. Ich habe knapp die volle Punktzahl erreicht. Seitdem gehe ich vor Freude stolz wie Napoléon durch die Gegend, als hätte ich die Wuppertaler „Berge“ erschaffen!“…;-)

Als Hochsensible bin ich durch meine Erlebenstiefe sehr begeisterungsfähig. Ich kann andere durch meine Wahrnehmungen überraschen und mitreißen. Ich lasse in mir Erlebtes intensiver “nachklingen”, so dass alles, was ich höre, sehe und erlebe “in mir bewegt” und ich alles genau einpräge. Das wirkt sich auf das Langzeitgedächtnis aus, was bei uns HSP´s sehr ausgeprägt ist. Auch ist die Fantasie zumeist vielschichtiger und die Gedankengänge sind viel tiefer als bei Nicht-HSP´s.

Ich empfehle die folgende Leseprobe aus dem Buch “Zart besaitet – Selbstverständnis, Selbstachtung und Selbsthilfe für hochsensible Menschen” von Georg Parlow:

http://festland-verlag.com/zb/inhallt.php

PALM DESERT, CA – MARCH 19: Tia Shipman walks the runway for the Michael Costello Couture fashion show fall 2014 during Project Runway at El Paseo Fashion Week 2014 on March 19, 2014 in Palm Desert, California. (Photo © Courtesy of Arun Nevader/California/WireImage)

Nun stellt sich die Frage, wie ich als Hochsensible, die in Deutschland in zwei völlig unterschiedlichen Kulturen aufgewachsen ist und einen langen Migrationsprozess mitbringt, die Welt erlebt.

Ich beobachte und erlebe mit viel Spannung, Freude und Traurigkeit, wie in konträren kulturellen Kontexten die Hochsensibilität unterschiedlich ausgelebt werden kann und welche Wechselwirkungen es gibt. Ich musste vor drei Jahren das Drehbuch meiner Biografie um meine Hochsensibilität korrigieren. Zu dem Zeitpunkt erkannte ich erstmals meine Hochsensibilität. Danach verstand ich in meiner Biografie viele Zusammenhänge und Verhaltensweisen von mir überhaupt und auch besser. Zuvor hatte ich mein Anderssein auf meine, damals als Einzige in der Familie, westliche Einstellung bereits im zarten Alter von fünf Jahren zurückgeführt. Meine ersten Lebensjahre verbrachte ich glücklich in einem anatolischen Dorf.

Viele Jahre später wurde mir in Deutschland bewusst, dass ich mich auch in der westlichen Welt – unabhängig von Ausländer- und Migrationsthemen- anders und unverstanden fühlte. Es waren viele Fragezeichen in meinem Kopf entstanden, die mir keiner beantworten konnte.

In der türkischen Welt lösen seit meiner Kindheit Feste und Hochzeitsfeier mit 500- 1000 Gästen und Massenveranstaltungen bei mir Unbehagen aus… mit starkem Bedürfnis, aus dem Saal und aus der Masse hinauszulaufen. In der deutschen Welt lief ich bereits mehrfach als junge Frau nach Eintritt in Diskotheken und großen Party-Veranstaltungen instinktiv sofort wieder heraus. “Was ist bloß los mit mir? Liegt es daran, dass ich nicht rauche und keine alkoholische Getränke zu mir nehme? Warum ist es für mich so schlimm, in solchen Locations einfach zu bleiben oder länger zu bleiben? Schließlich habe ich auch meine sehr gesellige Seite… Außerdem habe keine Probleme vor einem großen Publikum eine Rede oder Vortrag zu halten.”… diese Gedanken gingen mir jedes Mal durch den Kopf. Dabei hatte rückblickend betrachtet mein Verhalten mit meiner Hochsensibilität zu tun.

Meine glücklichsten Momente erlebe und spüre ich als Hochsensible, wenn ich im Einklang mit der Natur bin, besondere Momente mit besonderen Menschen und Tieren erlebe, sehr berührt bin vom Hören insbesondere kurdischer, anatolischer, orientalischer und klassischer Musik, beim Betrachten eines Kunstwerkes oder Beobachten eines spielenden Kindes, beim Schweigen, oder wenn ich mindestens zwischen zwei Sprachen jongliere. Die Sprache faszinierte mich bereits als Kind… damit meine ich nicht die türkische und die deutsche Sprache oder andere Sprachen an sich, sondern die Linguistik. Für mich war es auch immer spannend, an meiner Ausdrucksweise zu feilen.

Ich bin als Hochsensible selbst sehr überrascht, wie vielfältig meine Interessen sind. Daher habe ich einen farbenfrohen und interessanten beruflichen Werdegang und Hobbies. Hier einige Berufsstationen: Ich bin Diplom-Ökonomin, Online Marketing Managerin. Des Weiteren habe Berufserfahrung als Dozentin, 16 Jahre freie Journalistin bei Print- und Internetmedien in deutscher und türkischer Sprache, fünf Jahre selbstständig als richterlich bestellte Rechtliche Berufsbetreuerin bei drei Amtsgerichten, zwei Jahre Verfahrenspflegerin, zwei Jahre Personal- und Organisationsleiterin, Gerichtsdolmetscherin für die türkische Sprache, Hospitantin in der geschützten Station einer Psychiatrischen Klinik, eigene empirische Erhebung über Gemeinsamkeiten und Unterschiede zwischen Mittelstandsunternehmen deutscher & türkischer Herkunft beim Institut für Angewandte Handelsforschung, Bankangestellte, Trainee im Bereich Personalentwicklung, Förderlehrerin für italienische Schüler, zwei Jahre Schauspielunterricht und zwei Jahre Darstellerin am Laien-Tanztheater, Dichterin. Malen, Portrait zeichnen, fotografieren… Diese waren nur einige von meinen vielen Berufs- und Hobby-Stationen.

Meine Kindheit und Jugend verbrachte ich in der türkischen und deutschen Welt in Deutschland sehr rebellisch, gradlinig und konfliktoffen. Mein Anderssein fiel sowohl in der türkischen Welt als auch in der deutschen Welt sehr auf. Diese waren für beide Welten kaum tragbar. In der türkischen Welt wurde jedoch eher der Versuch unternommen, mich zu sanktionieren.

Nachdem ich bis heute viele äußere und innere Hausaufgaben erledigt und an vielen Themen gearbeitet habe, bin nun in der Lage, am Himmel unzähliger positiven und negativen Erfahrungen den Kurs meines Lebensflugzeuges zu mir selbst zu führen. Ich fliege also geradeaus in Richtung meines inneren Kindes. Je mehr die Anzahl an Deckmäntel auf meiner Seele abgenommen wurde, umso mehr trat meine Hochsensibilität in Augenschein. Ich lerne zunehmend meine Hochsensibilität als eine große Begabung und Bereicherung zu begreifen. Das gelingt mir leider nicht immer. Es ist aber nicht immer eine Frage der positiven Einstellung, sondern auch eine Frage des Sich-Schützen-Könnens. Wir, Hochsensible, haben von Natur aus kein „dickes Fell“. Aber wir können Techniken erlernen, um uns besser vor äußerer Reizüberflutung zu schützen. Und vor allem „uns“ vor Menschen mit narzisstischer Persönlichkeitsstörung schützen, denn für sie sind wir Hochsensible Lebensstoff.

Mit der Hochsensibilität ist mein Gespür für soziale Ungerechtigkeit verbunden, weil ich viel schneller als andere die Last der Welt spüre. Es fällt mir schwer, das Leid in der Welt zu ignorieren. Das erklärt auch meinen hohen Gerechtigkeitssinn. Daher distanziere ich mich zeitweise vom Weltgeschehen und Nachrichten in den Medien.

Die Hochsensitivität kennzeichnet sich auch durch die Komponente, auf der Basis einer stark ausgeprägten Wahrnehmungsebene über die körperlichen Reizwahrnehmungen, den 5 Sinnen hinaus. Sozusagen der 6., der 7. und der 8. Sinn: Hellsichtigkeit, Hellhörigkeit, Hellfühligkeit.

Eine Vielzahl der Hochsensiblen ist zugleich auch hochbegabt.

Eines Tages fiel mir eine hübsche Türkin mit ihrer sinnlichen, warmen und feinfühligen Art sehr auf. Sie hatte Ausstrahlung. Sie hatte zudem etwas, was ich bisher bei keiner der türkischstämmigen Frauen kannte. Heute weiß ich, dass es ihre Hochsensibilität war. Damals wusste ich noch nicht, dass ich HSP bin und ich wusste bis vor einiger Zeit auch nicht, dass sie HSP ist. Als ich sie in einer Gruppe von Menschen zum ersten Mal begegnete, wirkte sie sehr unsicher, ängstlich und ambivalent… Ich spürte, dass sie sich viel Mühe gab, dass man sie nicht “erkennt”, weil die TürkInnen noch weniger mit Hochsensiblen umgehen können, als sicherlich Menschen aus bestimmten anderen Kulturen. Es reicht ja schon, EIN BISSCHEN ANDERS zu sein, und schon wird man in Deutschland in der türkischen Gesellschaft (die in ihrer Entwicklung mindestens 50 Jahre zurückgeblieben ist als die türkische Gesellschaft in den Großstädten der Türkei) als Hure (dabei respektiere ich eher eine gradlinige Prostituierte als eine traditionelle Türkin, die Doppelmoral auslebt), Geisteskranke/r, Gefahr, Bedrohung und Verräter/in abgestempelt.

Ich fühlte mich dieser türkischstämmigen jungen Frau immer innerlich sehr verbunden, ohne lange Zeit zu wissen, warum. Ich spürte ebenso oft auch meine Ambivalenz ihr gegenüber und konnte mir lange Zeit nicht erklären, warum es so war.

In deutschen Kontexten fühle ich mich als HSP schon viel wohler. In den letzten sechs Jahren habe sehr wertvolle hochsensible Persönlichkeiten – darunter auch Experten auf diesem Gebiet – kennengelernt. Einige von ihnen kannte ich schon viel früher und führe mit ihnen tolle Gespräche, erlebe viel gegenseitige innere Resonanz, genieße mit ihnen einzigartige und wunderschöne Momente mit viel Freude und Lachen, dass ich mich auf Wolke Sieben, Acht und Neun gleichzeitig fühle.

PALM DESERT, CA – MARCH 19: Tia Shipman walks the runway during the finale for the MT Costello fashion show during Project Runway at El Paseo Fashion Week 2014 on March 19, 2014 in Palm Desert, California. (Photo © Courtesy of Arun Nevader/California/WireImage)

Das Leben ist manchmal doch ein Wunschkonzert…;-), wenn man als Hochsesible auf zwei kulturellen Stühlen sitzt und das Orchester doppelt und konträr dirigieren muss. Die Musik, die dabei entsteht, hat eben ein anderes Highlight…;-)

Çiğdem Gül – 24. April 2011
Wuppertal/Deutschland

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NEW YORK – FALL 2017: Beauty detail from the Christian Cowan runway show at NEW YORK FASHION WEEK Pier 59 in New York (Photo by Arun Nevader/Getty Images for Art Hearts) © Courtesy of Fashion Photographer Arun Nevader (Los Angeles / USA)

For the Intercultural Network For The Highly Gifted, the topic of giftedness means not only a specific IQ classification, but above all creativity, joie de vivre, lifestyle, aesthetics and diversity. And that is exactly why we would like to introduce the London Hat Week to you.

London Hat Week 06.-12.10.2020: Celebrating the Art of Hats

200 beautiful hats crafted with innovative ideas by 150 independent designers from 30 countries at London Hat Week Exhibition 2020.

The organizer invite you to visit the official London Hat Week Exhibition 2020 – To the Future and Back. The organizer provides the following information on its website:

„You will be able to enjoy the 200 most innovative and beautiful hats made by milliners from around the world inspired by different eras in one place.

The year 2020 has always seemed fictional when it was mentioned and now that we are close to this imaginary time, we would like to invite hat lovers to time travel to the future and back with creative hat designs. We are introducing a dual “future” and “retro” themed London Hat Week exhibition this year. You will be able to see hats created for both themes:

A. “Future” theme – milliners from around the world to craft hats which will show us their vision of the future in their hat designs, whether it’s inspired by space travel, virtual or imagined world, sci-fi movies, or made of environmentally friendly, high technology, non-traditional materials, by a 3D printer, or in fluid, in out of the world shapes.

B. “Retro” theme – milliners time travel to the past to show the glorious eras when people wore beautiful and elegant hats as the highlights of their daily outfits, you could choose to use vintage fabrics, recycled felt or accessories such as feathers, ribbons, and velvet, or you could try to re-create the elegant shapes and lovely details that have disappeared from the fashion and millinery scenes since 1920’s – 1960’s.

We invite you to come and enjoy the wild imagination and to recall and reflect on the beautiful moments captured by milliners from around the world in the form of hats! There will also be a hat pop-up shop for you to try on over 100 beautiful hats!“

For more information:

https://www.londonhatweek.com

https://www.londonhatweek.com/events

For more information about our cooperation partner and successful fashion photographer Arun Nevader (Los Angeles / USA):

Getty Images:  www.gettyimages.com

Instagram: @arunnevader

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NEW YORK, NY – FEBRUARY 19: A model walks the runway in a design by Ly Qui Khanh at the New York Life fashion show during Mercedes-Benz Fashion Week Fall 2015 at The Salon at Lincoln Center on February 19, 2015 in New York City. (Photo by Arun Nevader/Getty Images for Mercedes-Benz Fashion Week Fall) — © 2020 Courtesy of Arun Nevader.

Zu fein für diese Welt

Die Hochsensibilität ist keine Krankheit, sondern eine geerbte Begabung.

Etwa 15 – 20 Prozent der Menschen gelten in der Bevölkerung als hochsensibel.

Hochsensible Persönlichkeiten (= Highly Sensitive Persons = HSP) unterscheiden sich vom Großteil der Bevölkerung darin, dass sie sich durch eine erhöhte Empfänglichkeit für Reize auszeichnen. HSP sind sehr empathisch. Sie nehmen aufgrund ihrer geringen Filterfunktion im Gehirn und der besonders feinen Wahrnehmung ihrer Sinneskanäle mehr Informationen auf als die meisten ihrer Mitmenschen.

Des Weiteren nehmen HSP Geräusche, Gerüche, Stimmungen oder subtile Veränderungen in ihrer Umwelt sehr viel intensiver auf. Somit erleben sie die Welt viel differenzierter und intensiver. Das macht sie auf der einen Seite besonders begabt – beispielsweise für zwischenmenschlich-empathisches, künstlerisches oder sprachliches. Auf der anderen Seite führt die Überfülle an bewusst wahrgenommenen Sinnesreizen schnell zur Überlastung von Körper und Seele. HSP müssen sich deshalb regelmäßige zurückziehen, damit sie wieder ihre innere Mitte finden können.

Du bist durch Deine Erlebenstiefe sehr begeisterungsfähig.

Du lässt in Dir Erlebtes intensiver nachklingen, so dass alles, was Du hörst, siehst und erlebst, in Dir bewegt.

Du hast einen Sinn für Ästhetik und liebst die Kunst.

Du hast feine Antennen und kannst Dich sehr gut
in Deine Mitmenschen hineinversetzen und fühlst ihren Schmerz und ihre Freude.

Du hast einen sehr hohen Gerechtigkeitssinn und Du bist von Natur aus dünnhäutig.

Du denkst sehr viel über alles nach und nimmst vieles persönlich.

Du spürst eine starke Verbindung zu anderen Lebewesen, Natur und Musik.

Kommt Dir das irgendwie bekannt vor?

Die Mehrheit der Hochsensiblen sind nach meiner Ansicht zu fein für diese Welt.
Mit zunehmendem Grad an Hochsensibilität empfindet der Betroffene mit seinem sehr hohen Gerechtigkeitssinn und der dünnen Haut die Welt zumeist als unerträglich. „Der sensible Mensch leidet nicht aus diesem oder jenem Grunde, sondern ganz allein, weil nichts auf dieser Welt seine Sehnsucht stillen kann.“ Jean-Paul Sartre.

© Çiğdem Gül – 19.06.2016, aktualisiert am 08.01.2021

© Çiğdem Gül

Günderin des weltweiten „Intercultural Network For The Highly Gifted“

Ökonomin in Wuppertal/Deutschland

Change Management Consultant

Business Coach für Veränderungsprozesse im Unternehmen

Visionärin, Journalistin, Publizistin, Netzwerkerin

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